Born in 1971 in Milan, Italy
Lives and works in Anchorage, USA

Paola PIVI

education

1995-1998
- Brera Academy of Fine Arts, Milan, Italy

1990-1995
- Politecnico di Milano, Milan, Italy

- Lisgar Collegiate Institute, Ottawa Canada 

solo shows

2017
- I am tired of eating fish, curated by Cloe Piccoli, La Rinascente, Milan, Italy 
- Massimo de Carlo, London, UK

2016
- Art Club #10, Paola Pivi, curated by Pier Paolo Pancotto, Villa Medicis, Rome, Italy
- Ma'am, Dallas Contemporary, Dallas, Texas, USA

2015
- Yee-Haw, Galerie Perrotin, Paris, France

2014
- Tulkus 1880 to 2018, FRAC Bourgogne, Bains du Nord, Dijon, France
- You started it ... I finish it, National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia

2013
- Ok, you are better than me, so what?, Galerie Perrotin, New York, USA
- Once upon a time. A dream by Paola Pivi with Carla Accardi, Carlson Gallery, London, UK
- Tulkus 1880 to 2018, Witte de With, Rotterdam, Netherlands

2012
- Tulkus 1880 to 2018, Castello di Rivoli, Turin, Italy
- Share, But It's Not Fair, curated by Larys Frogier, Rockbund Art Museum, Shanghai, China
- How I roll, Public Art Fund, Doris C. Freedman Plaza, Central Park, New York, USA

2011
- Nice Ball, Museo del Novecento, Milan, Italy
- The beauty is in my eyes, Museo del Risorgimento and Palazzo Morando, Milan, Italy

2010
- Sorry, I can't tell you, Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, USA
- What goes round - art comes round, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- Sorry I can't tell you, Carlson Gallery, London, UK
- Special Project: Grrr Jamming Squeak, public artwork commissioned by Sculpture International Rotterdam, Rotterdam, Netherlands

2009
- I wish I am fish, part of One Day Sculpture Project, curated by Natasha Conland, Auckland International Airport, Auckland, New-Zealand
- Special Project: 1000, part of The Long Week End, curated by Kathy Noble, Tate Modern, London, UK
- Special Project: Free Tibet Concert - A Big Dream, free event organized, produced and presented by Paola Pivi together with Karma Lama, Atwood Concert Hall, Alaska Center for the Performing Arts, Anchorage, Alaska, USA

2008
- It's a cocktail party, Portikus, Frankfurt, Germany
- It's a cocktail party, Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy
- And back again...presented by PIG, with Gelitin, Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, USA

2007
- You gotta be kidding me, La Criée Centre d'art Contemporain, Rennes, rance
- It just keeps getting better, Kunsthalle Basel, Switzerland

2006        
- My religion is kindness. Thank you, see you in the future. Fondazione Nicola Trussardi, Milan, Italy
- No problem, have a nice day, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- Fffffffffffffffffff, Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, USA

2005     
- 100 Chinese, Wrong Gallery, Frieze Art Fair, London, UK
- FANT ASS TIC, Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy

2004  
- To Me, curated by T. Dillon, Platformart, Gloucester Road Underground Station, London, UK
- Paola Pivi, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France

2003       
- Paola Pivi, Wrong Gallery, New York, USA
- Paola Pivi, curated by L. Cherubini, MACRO Museo d’Arte Contemporanea Roma, Italy

2002 
- Alicudi project, curated by X. Franceschi, Centre d’Art Contemporain, Bretigny sur Orge, France
- Paola Pivi, curated by L. Cherubini, Edizioni di gioielli Elena Levi, Galleria Roma Roma Roma, Italy

2001        
- Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy
- Galerie Emmanuel Perrotin, Paris
- Alicudi project, Galerie Michael Neff, Frankfurt, Germany

2000    
- Paola Pivi. Un progetto per il Castello, curated by M. Beccaria, Castello di Rivoli Museo D’Arte Contemporanea, Turin, Italy

1999
- Galleria S.A.L.E.S., with Simone Berti - curated by Laura Cherubini, Rome, Italy

1998     
- Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy

group shows

2016
- Trittico, Fondazione Prada, Milan, Italy

2015
- Liberi Tutti! Arte e Societa in italia 1989 - 2001, Museo Ettore Fico, Turin, Italy
- Paola Pivi, Echigo Tsumari-Art Triennale, Japan

2014
- One Way, Peter Marino, Bass Museum of Art, Miami, USA
- Italy in SongEun : We Have never Been Modern, curated by Angelo Gioé and Maria Rosa Sossai, SongEun ArtSpace, Seoul, Korea
- Everyday Life, Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart, Berlin, Germany
- Manifesta 10, Kuryokhin Modern Art Center, Saint Petersburg, Russia
- Arche Noah. über Tier und Mensch in der Kunst, Museum Ostwall, Dortmund, Germany

2013
- Collection Sandretto Re Rebaudengo : Have you seen me before?, curated by Francesco Bonami and Achim Borchardt-Hume, Whitechapel Gallery, London, United Kingdom

2012
- Retour à l’intime, La collection Giuliana et Tommaso Setari, La Maison Rouge, Paris, France
- La Belle et la Bête,  curated by Ashok Adicéam, Institut Culturel Bernard Magrez, Bordeaux, France
- Fuoriclasse. 20 anni di arte italiana nei corsi di Alberto Garutti, curated by Lu Cerizza, Galleria d'Arte Moderna of Milan, Italy
- Gli artisti italiani della collezione Accia, Palazzo Reale, Milan, Italy

2011
- Commercial Break, curated by Neville Wakefield, Venice, Italy
- En piste!, curated by Judith Quentel, Centre d'art contemporain, Chamarande, France
- Galileo, American Academy in Rome, Italy
- Art Works, curated by Okwui Enwezor, Hou hanru, Udo Kittelmann, Nancy Spector, Deutsche bank Collection, Frankfurt, Germany
- Unpainted Paintings, curated by Alison Gingeras, Luxembourg & Dayan, New York, USA
- 8 1/2 Thirteen artists celebrating the 100th anniversary of Trussardi. A selection of works from the exhibitions organized by the Fondazione Nicola Trussardi, curated by Massimiliano Gioni, Stazione  Leopolda, Florence, Italy
- Accademia Stanze Persone, curated by Luca Massimo Barbero, Llexi Eberspacher, American Academy in Rome, Italy
- Interferenze costruttive, Fondazione Menegaz, Castelbasso, Italy
- Donne Donne Donne, curated by Francesca Pasini, Fondation Pier Luigi et Natalina Remotti, Camogli, Genoa, Italy
- Hard Poem in Space, en collaboration avec Diet Gallery, Nektar De Stagni Shop, Miami, USA
- Kreëmaart, Art Basel Miami beach 10th Anniversary, Miami, USA

2010
- 21st Century : Art in the First Decade, Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia
- 21x21. 21 artisti per il 21° secolo, curated by Francesco Bonami, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, Italy
- Parkliv, curated by Bettina Pehrsson & Helena Selder, Marabouparken, Sundbyberg, Sweden
- Contemplating the Void : Interventions in the Guggenheim Museum Rotunda, Guggenheim Museum, New York, USA
- WYSTAWA, curated by Susanne Pfeffer, Museum of Modern Art Warsaw, Warsaw, Poland
- Hope, curated by Ashok Adicéam, Palais des Arts et du Festival, Dinard, France
- Things that only an artist can do, curated by Javier Marroqui and David Arlandis, MARCO, Museo de Arte Contemporanea de Vigo, Spain
- SI - Sindrome Italiana, curated by Yves Aupetitallot, Magasin, Centre National d'Art Contemporain, Grenoble, France
- BigMinis - Fetishes of crisis, curated by Alexis Vaillant, CAPC Musée d'Art Contemporain, Bordeaux, France
- Playing the City 2, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Germany
- 21st Century : Art in the First Decade, Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia
- Cosa fa la mia anima mentre sto lavorando? Opere d'arte contemporanea dalla collezione Consolandi, MAGA - Museo di Arte Gallarate, Gallarate, Italy
- Plus Ultra: Works from Collezione Sandretto Re Rebaudengo, curated by Francesco Bonami, Macro Testaccio, Rome, Italy
- Video Report-Italia 2008-2009, curated by Andrea Bruciati, Galleria Comunale d'Art Contemporanea di Monfalcone, Italy

2009
- Passaggi in Sicilia, La collezione di Riso e oltre, curated by Paola Falcone e Valentina Bruschi, Riso museo d'arte contemporanea della sicilia, Palermo, Italy
- From Walden to Vegas, curated by A Constructed World, Jean Marc Ballèe, Etienne Bernard, Antoine Marchand, Maison d'art Bernard Anthonioz, Nogent-sur-Marne, France
- Jewelry Salon at NDS, curated by Nektar De Stagni, NDS, Nektar De Stagni Shop, Miami, USA
- The store, curated by A. Carr, Artissima, Turin, Italy
- Italics. Italian art between tradition and revolution, 1968-2008, curated by Francesco Bonami, MCA - Museum of Contemporary Art, Chicago, USA
- Borders and Beyond, curated by Agnes Kohlmeyer, Helsingin Taidehalli, Kunsthalle Helsinki, Helsinki, Finland
- Civica 1989-2009 : Celebration Institution Critique, curated by Andrea Viliani, Fondazione Galleria Civica - Centro di Ricerca sulla Contemporaneita di Trento, Italy
- UBS Openings : The Long Weekend 2009, curated by Kathy Noble and Catherine Wood, Tate Modern, London, United-Kingdom
- And Back Again, presented by PIG, Deitch Projects, New-York, USA
- Assenze/Presenze, curated by Alberto Salvadori, Museo Marini, Florence, Italy
- PUBLIC, Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy
- Soltanto un quadro al massimo Pivi-Meese, curated by Joachim Bluher, Ludovico Pratesi, Academia Tedesca Roma Villa Massimo, Rome, Italy
- The PIG presents 8 Solos Shows..., Deitch Projects, New York, USA

2008
- Una stanza tutta per sé, curated by M. Beccaria, Castello di Rivoli, Turin, Italy
- The Hamsterwheel, Malmö Konsthall, Sweden
- Gli Artisti della Collezione ACACIA, curated by A. Daneri et G. Testa, Palazzo Nicolosio Lomellino di Strada Nuova, Genoa, Italy
- When things cast no shadow, 5th Berlin Biennal for Contemporary Art curated by A. Szymczyk and E. Filipovic, Berlin, Germany
- ITALIA ITALIE ITALIEN ITALY WLOCHY. Ritti su la cima del mondo, noi scagliamo, una volta ancora, la nostra sfida alle stelle!... curated by G. Del Vecchio, A. Rabottini, E.L. Scipioni, A. Viliani, ARCOS Museo d’Arte Contemporanea Sannio, Benevento, Italy
- 100 Years 100 Artists 100 Works of Art, curated by Sally Shaw, Art on the Underground, A Foundation Gallery, London, UK
- Italics. Italian art between tradition and revolution, 1968-2008, curated by Francesco Bonami, Palazzo Grassi, Venice, Italy
- Een lek in het zwijgen: noise, curated by Giacinto Di Pietrantonio, XXVII Poeziezomer Festival, curated by Gwy Mandelinck, Watou, Belgium
- Library, curated by Adam Carr, Uovo - The Bookmakers Ed, Berlin, Germany
- L'alchimia dell'arte contemporanea, Opere dalla collezione Sandretto Re Rebaudengo, Centro Saint-Bénin, Aosta, Italy
- Thanks for coming, Michael Benevento, Los Angeles, USA
- The Store, curated by Adam Carr, Tulips & Roses, Vilnius, Lithuania

2007
- Ou? Scènes du Sud: Espagne, Italie, Portugal, Carré d'Art de Nîmes, France
- The Hamsterwheel, Tesa della Nuovissima, Arsenale di Venezia - Festival Printemps de Septembre, Toulouse, France
- Senso Unico, PS1 MOMA, curated by A. Heiss, New York, USA 
- Group Show, Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, USA
- mentalgrafie. Viaggio attraverso l'arte contemporanea italiana, curated by Demetrio Paparoni, Tel Aviv Museum of Art, Israel
- Domestic Irony. A curious glance on private Italian collections, curated by Letizia Ragaglia, Museion, Bolzano, Italy

2006   
- all hawaii eNtrées/luNar reGGae, curated by Philippe Parreno and Rachael Thomas, IMMA, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland
- Art'Fab : L'Art, La Femme, L'Europe, curated by Susanne van Hagen and Danielle Gaudry Cazeau, Saint-Tropez, France
- Italy made in art: now, curated by Achille Bonito Oliva, The Museum of Contemporary Art, Shanghai, China
- Young italian artists at the turn of the millennium, Galleria Continua, Beijing, China
- Vis à vis - Collezioni si incontrano, curated by Walter Guadagnini, Ludovico Pratesi, Centro Arti Visive – Pescheria, Pesaro, Italy
- Crafty, curated by Lisa Tung, Bakalar Gallery, MassArt, Boston, USA
- Il buco, curated by Achille Bonito Oliva, Galleria Pio Monti, Rome, Italy
- Kontracom06 – Contemporary.Festival.Salzburg, curated by Max Hollein, Salzburg, Austria
- Il diavolo del focolare, curated by Claudia Gian Ferrari, La Triennale di Milan, Milan, Italy
- The Garden Party, Deitch Projects, New York, USA
- The snow show, curated by Lance Fung, Sestriere, Italy
- Fuori pista, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Capanna Mollino, Sauze d'Oulx, Italy
- Universal Experience: Art, Life and the Tourist’s Eye, curated by F. Bonami, J. Rodrigues Widholm, T. Van Eck, MART Museo di Arte Moderna e  Contemporanea di Trento e Rovereto, Italy

2005      
- Not a drop but the fall, curated by Elmgreen & Dragset and Susanne Pfeffer, Künstlerhaus Bremen, Germany
- War is over, curated by Giacinto Di Pietrantonio and Maria Cristina Rodeschini Galati, GAMeC Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Italy
- Water, air, earth, fire At the origins of life between Art and Science, curated by Sandra Solimano, Maria Perosino, Silvana Sermisoni, Science Festival, Palazzo della Borsa, Genoa, Italy
- Universal Experience: Art, Life and the Tourist’s Eye, curated by F Bonami, J Rodrigues Widholm, T Van Eck, Hayward Gallery, London, UK
- Interstate, curated by Adam McEwen, Nicole Klagsbrun Gallery, New York, USA
- En route, via another route, curated by Adam Carr, Trans-Siberian train, Moscow-Beijing
- Luna Park Arte Fantastica, curated by F Bonami, S Cosulich Canarutto, Villa Manin Centro d’Arte Contemporanea, Passariano, Italy
- Bidibidobidiboo, curated by F Bonami, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, Italy
- Generations of art, 10 anni alla FAR, curated by G Verzotti, Fondazione Antonio Ratti, Como, Italy
- Das Verlorene Paradies, curated by B Kemfert, Opelvillen, Rüsselsheim, Germany
- Monuments for the USA, curated by R Rugoff, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco / White Columns, New York, USA
- Fuori Tema, XIV Quadriennale di Roma, curated by L Caramel, V Deho’, G Di Pietrantonio, M Tonelli, G Verzotti, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, Italy
- Universal Experience: Art, Life and the Tourist’s Eye, curated by F Bonami, J Rodrigues Widholm, T Van Eck, Museum of Contemporary Art, Chicago, USA

2004       
- Ettore Spalletti, Paola Pivi, Giorgio Colombo, Vistamare, Pescara, Italy
- Recent aquisitions, Centre Pompidou, Paris, France
- Bienal of Pontevedra, curated by DG Torres, M von Hafez Perez, Pontevedra, Spain
- Manifesta 5, curated by M Gioni, M Kuzma, San Sebastián, Spain
- Brillante, curated by S Gamper, A Schloen, Kunst Merano Arte, Merano, Italy
- Art on Campus, curated by Jo-Ann Conklin, Brown University, Providence, USA
- Ori d’artista Il gioiello nell’arte italiana 1900-2004, curated by F Morelli, Museo del Corso, Rome, Italy
- I nuovi mostri, curated by M Gioni, poster project, Fondazione Nicola Trussardi, Milan,Venice, Italy

2003        
- LEIWomen in Italian Collections, curated by F Bonami, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, Italy
- Artists’ Projects, curated by P Staple, Frieze Art Fair, London, UK
- World Speak Less Dumb, curated by A Constructed World, Uplands Gallery, Melbourne, Australia
- Signatures of The Invisible, curated by PCheetam, C Cina, T Guerrero, K McMullen, in collaboration with CERN European Laboratory for Particle Physics, Genève, PS1, MoMA, New York, USA
- Contemporary St-art, curated by G Di Pietrantonio,in collaboration with Renault, Rome, Italy 
- Interludes, L Biennale di Venezia, curated by F Bonami, Venice, Italy
- Vetrine alla Calcografia 2003 - La RiproRiduzione dell’arte, curated by G Di Pietrantonio, Archivio di Stato, Turin, Italy

2002        
- Vetrine alla Calcografia 2002 - La RiproRiduzione dell’arte, curated by G Di Pietrantonio, Calcografia Nazionale, Rome, Italy
- Next Art, curated by L. Pratesi, Sala Murat - Fortino S Antonio, Bari, Italy
- Signatures of The Invisible, curated by PCheetam, C Cina, K McMullen, Gulbenkian Foundation, Lisbon, Portugal
- Contemporary St-art, curated by G. Di Pietrantonio, in collaboration with Renault, Milan, Italy
- Nuovo Spazio Italiano, curated by F. Cavallucci, G Nicoletti, G Verzotti, Galleria  - Civica d’Arte Contemporanea di Trento and MART Museo di Arte Moderna e  Contemporanea di Trento e Rovereto, Italy
- ExIT, Nuove geografie della creatività italiana, curated by F. Bonami, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin, Italy
- Verso il futuro Identità nell arte italiana1990-2002, curated by C D’Orazio, L Pratesi, Museo del Corso, Rome, Italy
- Tutto Normale, curated by L. Pratesi, J Sans, Accademia di Francia a Roma, Villa Medici, Rome, Italy 
- Ouverture… arte dall’Italia, curated by A Bruciati, Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone, Monfalcone, Italy
- Magical Machines, curated by R. Altstaat, Edith Russ-Haus fur Medienkust, Oldenburg, Germany
- De Gustibus, curated by A. Bonito Oliva, S Risaliti, Palazzo delle Papesse, Siena, Italy
- No Return, curated by A. Haubrok, Museum Abteiberg, Monchengladbach, Germany
- Ouverture, curated by J. Sans, N. Bourriaud, Palais de Tokyo, Paris, France

2001     
- Marking the Territory, curated by M. Abramovich, Irish Museum of Modern Art, Dublin Ireland 
- Signatures of The Invisible, curated by PCheetam, C Cina, K McMullen, in collaboration with CERN European Laboratory for Particle Physics, Genève, Switzerland
- The Atlantis Gallery, London / Complesso del Vittoriano, Rome, Italy
- Chain of Vision: Family, Politics and Religion in the Last Generation of Italian Contemporary Art, curated by F. Bonami, Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, Japan 
- Chairs in contemporary art, curated by A. Kohlmeyer, Castello di Udine, Civici Musei, Udine, Italy
- Adriatico – Due Coste, 52°Premio Michetti, curated by A Vettese, Fondazione Michetti, Francavilla al Mare, Italy
- Locus / Focus, Sonsbeek 9, curated by J. Hoet, Arnhem, Netherlands
- Uniform Order and Disorder, curated by F Bonami, ML Frisa, S Tronchi, PS1 Contemporary Art Center, New York, USA
- Boom, curated by S. Risaliti, Manifattura Tabacchi / Manifattura d’ Arte, Firenze, Italy
- Play, curated by G. Del Vecchio, Openspace, Milan, Italy
- Dinamiche della vita dell’arte, curated by G. Di Pietrantonio, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo, Italy

2000     
- Uniforme Ordine e Disordine, curated by F. Bonami, ML. Frisa, S. Tronchi, Stazione Leopolda, Florence, Italy
- Migrazioni e multiculturalità, curated by L. Cherubini, P. Colombo, A. Mattirolo, Centro per le Arti Contemporanee, Roma, Italy
- Window onto Venus, curated by Zerynthia, VII Bienal da La Habana, Cuba
- Talent/um, tolerare, curated by C. Bertola, with G. Di Pietrantonio, A Vettese, Premio, Querini-Furla per l’arte, Fondazione Querini Stampalia, Venice, Italy
- A casa di…, curated by G. Di Pietrantonio, Cittadellarte Fondazione Pistoletto, Biella, Italy
- Libres ebats, curated by S. Takahashi, ICI, Parc de la Domaine-Lacroix, Lyon, France
- Clockwork 2000, curated by R. Marcoci, PS1 National and International Studio Program 1999-2000, Clocktower, New York, USA
- Identidades Futuras Reflejos de una colección, curated by F. Bonami, R. Doctor Roncero, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Madrid, Spain

1999  
- Au-Delà, curated by J Hoffmann, Galerie Klosterfelde, Berlin, Germany
- Soggettività e narrazione, cinema e cinema d’artista, curated by F Bernardelli, Museo del Cinema, Turin, Italy
- Young@allages, Deweer Art Gallery, Otegem, Belgium
- L’autre Sommeil, curated by A Scherf, MAMVP Musée d’Art Modern da la Ville de Paris, ARC, Paris, France
- Globale Positionen, curated by J Hoffmann, Museum in Progress, in Der Standard, Wien, Austria
- PS1 Italian Bureau Selection 1998-2000, curated by C. Bertola, L. Cherubini, C. Christov-Bakargiev, M. Codognato, Cittadellarte Fondazione Pistoletto, Biella, Italy
- Serendipiteit, curated by G Di Pietrantonio, J Hoet, G Mandelinck, Watou, Belgium
- dAPERTutto, XLVIII Biennale di Venezia, curated by H Szeeman, Venice, Italy
- Foreign artists working in Shanghai, ShanghART Gallery, Shanghai, China
- Zones - Especès d’Espaces, curated by F. Bonami, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene d’ Alba - Cuneo, Italy
- Destination is wherever it arrives, curated by J. Hoffmann, Salon3, London, United-Kingdom
- Simone Berti - Paola Pivi, curated by L. Cherubini, Galleria SALES, RomE, Italy

1998  
- Guarene Arte 98, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene d’ Alba-Cuneo, Italy   
- Estetiche Cannibali - Un’altra sceneggiatura, curated by D. Pitteri, C. Radl, Palazzo della Triennale, Milan, Italy
- Opera Nuova, Fuori Uso 98, curated by L Cherubini, Mercato Ortofrutticolo, Pescara, Italy
- Imitating Christmas, curated by J. Hoffmann, Wiensowsky & Harbord, Berlin, Germany
- Light Slow, Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy

1997      
- Opera Prima, Galleria Cesare Manzo, Pescara, Italy
- Jingle Bells 806, curated by U. Schwarzer, Galleria Massimo De Carlo, Milan, Italy
- Provincia - Mercato Globale, Fuori Uso, curated by L. Cherubini, Ex Colonia Stella Maris, Montesilvano - Pescara, Italy
- Amplikon, curated by A. Galletta, Viafarini, Milan, Italy
- Invitation to a pointless investigation, curated by C. Christov - Bakargiev, workshop with Jimmie Durham, Viafarini, Milan, Italy

1996        
- A Month on the Lake - Visiting Professor John Armleder, curated by G. Di Pietrantonio, A Vettese, Fondazione Ratti, Como, Italy

1995        
- Transatlantico, curated by G. Di Pietrantonio, A. Garutti, Viafarini, Milan, Italy

public collection

- Centre Georges Pompidou, Paris, France
- Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA
- Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin, Italy
- MACRO, Rome, Italy
- National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia

awards

1999
- Golden Lion, Venice Biennale, Italy


RESIDENCIES

2011
- Fellow at the American Academy in Rome, Italy

1999-2000
- International Studio Program, Italian studio, MoMA PS1, New York, USA

Paola Pivi - It just keeps getting better

Paola Pivi - It just keeps getting better

Livre

47,39 €

Paola PIVI - "Share, but it's not fair"

Paola PIVI - "Share, but it's not fair"

Livre

56,87 €

Paola Pivi - Untitled (Zebras)

Paola Pivi - Untitled (Zebras)

Print

300,00 €

Paola Pivi - "Fffffffffffffffff one"

Paola Pivi - "Fffffffffffffffff one"

Print

300,00 €

Paola Pivi - "One love"

Paola Pivi - "One love"

Print

300,00 €

2005

par Pierre-Evariste Douaire

Paola Pivi est passée maîtresse dans l’art du renversement. Au lieu de coucher sur le papier ses idées, elle renverse des camions semi-remorques sur la route, ou présente à la Biennale de Venise un avion de chasse retourné, le cockpit à même le sol. Les propositions qu’elle invente contournent et renversent l’ordre établi. Le renversement est au centre de son travail au même titre que l’expérience.
Sa dernière intervention au Palais de Tokyo consistait à construire des petites buttes de terre. Encapuchonés dans des survêtements identiques, une demi douzaine d’athlètes étaient invités à courir pendant trente minutes dans ce manège en forme de cercle.

Une de ses dernières inventions consistait à reproduire, à l’échelle un, une île minuscule, mais plus grande qu’un rocher sortant de l’eau. Grâce aux photographies, les spectateurs pouvaient voir des morceaux de l’île dans les galeries et les institutions où le projet était présenté. Reprenant à son compte les utopies de Borgès et de Carroll, la jeune artiste italienne allait contre les précautions d’Umberto Ecco, qui prétend à “l’impossibilité d’établir une carte de l’empire à l’échelle 1/1” dans Pastiches et Postiches (2000). La carte deviendrait alors un calque, et elle ne provoquerait plus la distance nécessaire à sa conceptualisation.

C’est avec un travail analogue que revient l’artiste à Paris. La photographie et la mer sont au rendez-vous. Le bizarre et l’étrange sont également présents. L’utilisation d’animaux empaillés (Cattelan, un autre italien), découpés et plongés dans le formol (Damien Hirst), ou transgéniques, comme Alba le petit lapin fluo d’Eduardo Kac, sont devenus incontournbales dans l’art contemporain. Néanmoins, malgré ce bestiaire de l’étrange, c’est toujours avec étonnement que l’on retrouve ces bestioles sur les murs des galeries.

Les zèbres, les autruches, les ânes répondent “présent” à l’invitation de l’artiste. Paola Pivi se tranforme en nouvelle Noé et transfuge tout son petit monde sur des barques avant le Déluge. Elle photographie un âne au milieu de l’eau, deux autruches dans la même situation. L’élément liquide est très présent dans cette série.

La banalité des scènes et l’éxotisme des sujets provoquent un résultat haut en couleurs. La définition du pittoresque signifie ce qui mérite d’être peint, avec Pivi on assiste à une définition et à un genre quelque peu différent, on est face à ce qui mériterait d’être imaginé.
Le mélange des genres et l’hybridité des situations donnent à voir et à comprendre un monde qui oppose le genre humain et animal. Elle repousse les limites du bons sens et des conventions : le haut et le bas, la carte et le calque, l’humain et l’animal.
Cette série est une nouvelle brique apportée à l’édifice de déconstruction qu’entreprend l’artiste depuis quelques années. Sur le mode du contre-pied. Ses actions font toujours événement, et le résultat est souvent à la hauteur de l’attente.

Toujours surprenante, Paola Pivi traverse l’art contemporain comme une météorite. Elle draîne avec elle un univers qui se renouvelle et qui prend le risque d’être nouveau. Polymorphe, son travail s’adapte à tous les lieux. La seule constance dans son travail réside dans l’utilisation du spectaculaire. Son œuvre n’est pas pittoresque mais spectaculaire. Ayant bien compris les rouages et les modes de fonctionnement du milieu artistique, ses actions arrivent toujours comme des upercuts. Pratiquant un art du crochet, elle projette par terre les camions, les avions mais aussi le spectateur.



Interview avec Jeff Rian, 2006

JR : Qu’est-ce qui vous a amenée à l'art contemporain ?

PP : Le hasard. A vingt-quatre ans, je suis entrée à l'Académie des Arts de Milan. Beaucoup de jeunes artistes italiens sont passés par là. J'y suis allée comme ça, et pour apprendre le dessin. Je ne connaissais rien à l'art contemporain. Pour moi, les musées, on y allait à l’occasion le dimanche, c’est tout. Je n'ai pas fini les beaux-arts — pas plus que les autres écoles que j'ai fréquentées, d’ailleurs. Je passais mon temps à copier des bandes dessinées, jusqu’au jour où je suis tombée sur un cours où il s’agissait de monter des expositions. Nous installions nos oeuvres dans une pièce immaculée, le temps de quelques heures, tout comme une vraie expo, puis nous en discutions.

JR : Par quoi avez-vous commencé ?

PP : Une chemise percée de couteaux, lames vers l'extérieur, comme un porc-épic — je la portais. C'était il y a dix ans. La même année, j’ai inscrit à l’oil stick sur de petites toiles les mots « bite », « chatte », « nichons » et « cul », en italien. Ensuite il y a eu Camion (1997), un gros semi-remorque couché sur le côté.

JR : Et comment êtes-vous passée de la chemise percée de couteaux aux mots sur toile puis au camion renversé ?

PP : Un jour que j'étais prise dans les embouteillages, l'idée m'est venue.

JR : L'art contemporain, à mon sens, ou bien on est fait pour, ou bien pas. Vous, vous étiez faite pour ?

PP : L'art contemporain était pour moi le moyen de dépasser l'exigence mimétique vers un autre régime de pensée. Au début c’était pour le plaisir mais très vite ça a pris de l’ampleur, dès ma première exposition à la galerie Massimo De Carlo à Milan en 1998. Je rentrais de Chine et j'ai eu envie d'exposer des Chinois. Dans la rue, il m'arrivait de croiser des gens vêtus à l'identique et quelque chose de ces rencontres m'est resté. J’avais l’impression qu’ils avaient des personnalités plus fortes, des préférences et des choix plus affirmés. Les Européens tiennent davantage compte de l'opinion reçue. J'ai voulu les montrer tels qu'ils étaient. J'ai habillé cent Chinois de vêtements absolument vierges de toute connotation, de tout message — pantalon bleus, haut gris. J'ai remontré cette œuvre à la Wrong Gallery pour la Frieze Art Fair de 2005, et, là encore, l'effet obtenu était si puissant que certains visiteurs prenaient peur. Moi-même il m'a fallu un peu de temps pour ne plus me sentir mal à l'aise parmi eux. Une telle présence humaine, aucun mot n'est assez fort.

JR : Votre exposition à la galerie Emmanuel Perrotin s'intitule Have a Nice Day. Qu’est-ce qui est venu en premier, le titre ou l'idée de réunir tous ces animaux blancs ?

PP : Le titre s’est imposé indépendamment de quelque chose que Karma m'a dit. Les animaux blancs sont tous — pas seulement les oiseaux, les chiens, les moutons, les chèvres, le cheval, le chat, mais aussi le poisson, l'âne et le lama — des animaux du spectacle. Ils tournent dans des films, des publicités, etc.

JR : Vos œuvres fonctionnent comme des énigmes visuelles : les photographies des deux autruches dans un bateau, les zèbres dans la neige, le papillon posé sur un ours blanc, le camion couché sur le flanc, l’avion ou l’hélicoptère tête en bas, les gens qui piétinent une butte de terre ou qui dansent en dessinant un ovale, les cent Chinois immobiles, et jusqu'aux objets étranges que vous fabriquez, par exemple les rondins avec lampes et chaises miniatures qu’on verra ici, dans cette galerie, quand les animaux auront laissé la place après le vernissage. Ces idées, comment vous viennent-elles ? Juste comme ça ?

PP : Quelque chose se passe dans le réel. Il faut que ça vienne du réel.

JR : Ce réel dont vous parlez semble refléter les dispositions d'un monde où aucune forme n'est la propriété exclusive des artistes. L'art, au contraire, consiste plutôt à repérer des choses et à disposer idées et objets de sorte à stimuler l'imagination et la pensée et nous amener à réfléchir à combien et comment nous connaissons les ânes, les mots, ou les camions renversés. Loin d’une rigidité analytique, votre travail s’attache à créer la surprise. Faire de l’art serait-ce en fait attendre d'être visité par une vision ?

PP : Je ne saurais pas vraiment dire. Ce que j'aime dans l'art, le mien ou celui des autres, c'est ce sentiment que quelqu'un a pénétré mon expérience, sans savoir précisément ce qu'il allait y trouver, et qu’il en est sorti plus riche.

JR : Pour que ma curiosité soit éveillée, je n'ai pas besoin de comprendre l'avion ou l'hélicoptère tête en bas, pas plus que les gens ou les animaux. Le spectacle de cent Chinois uniformes peut frapper la conscience que nous avons de notre identité tribale ou personnelle. Tout comme eux, les animaux incarnent ce que les psy ou les mystiques appellent « L’Autre », mixte de ce que nous ignorons et, parfois, de ce que nous craignions.

PP : On ne peut pas séparer l’art de l’homme. Ce sont des animaux blancs, pas noirs ou de couleur. Cela, à mon avis, en dit long sur le monde dans lequel nous vivons, tout comme les Chinois en disent long sur notre monde autant que sur le leur. Les animaux nous représentent aussi. Même si on ne connaît rien à l’histoire de la domestication animale, ils en disent long sur nous.


WE WANT IT ALL (NOUS VOULONS TOUT)

par Massimiliano Gioni

L’Europe est hantée par un rêve très ancien, le rêve de l’abondance. Depuis le Moyen-Âge et peut-être depuis des temps plus lointains encore, paysans, serfs, pauvres diables et rêveurs, mais aussi auteurs, poètes et conteurs perpétuent le mythe de l’opulence, d’une terre imaginaire que l’on appelle pays de Cocagne. Le terme semble s’être propagé à l’identique de pays en pays. Français, Anglais, Espagnols, Portugais, Néerlandais, Allemands et Italiens possèdent chacun une version différente de ce mot magique qui désigne une même contrée fictive. Certains situent le pays de Cocagne au fond des mers, d’autres le placent à la droite du Paradis ; d’autres encore assurent qu’il se trouverait au Pays Basque. Quant à ceux qui l’atteignent - soit par miracle, soit parce que le Pape les y a envoyés - ils n’y retourneront généralement pas une seconde fois. Le mot Cocagne proviendrait peut-être de la racine latine coq- que l’on retrouve dans coquina (la cuisine), mais il est également probable qu’il vienne de l’Anglais cake ou de l’Allemand Kuche. Son nom varie selon les pays. On l’appelle Cockaigne en Grande-Bretagne, Cucana en Espagne, Kukkanja à Malte, Cuccagna en Italie ; tandis que les Allemands préfèrent le nommer Schlaraffenland, Pfannkuchenberg ou encore Bauernhimmel. Les Suèdois le connaissent sous le nom de Lattingersland et les Irlandais utilisent celui de Mag Mell, d’autres encore l’appellent Bengodi et Luikkerland. Malgré cette multiplicité de noms, le concept reste le même : c’est l’idée alléchante d’un pays où la famine a été vaincue à jamais et ou seul règne le plaisir. Au Pays de Cocagne, plus on dort, plus on s’enrichit car chaque jour est férié ; les mois durent cinq semaines, on fête Pâques, carnaval et les récoltes quatre fois l’an, tandis que le carême n’advient qu’une fois tous les vingt ans, pour se préserver de la faim. Les maisons sont faites de saucisses et de poissons et les toitures sont couvertes d’épaisses tranches de lard. Des morceaux de jambon clôturent les champs et les oies sautent d’elle-même sur la broche : elles sont heureuses d’être tournées, retournées et dorées à souhait. Certaines versions de la légende affirment que les volailles rôties volent directement dans la bouche des habitants et que les cochons trottinent à travers les rues avec des couteaux dans le dos, prêts à se laisser découper. Les bâtiments sont sculptés dans du fromage et sur les pentes des montagnes de parmesan s’écoulent des ruisseaux de bouillon de poulet où baignent des raviolis. Des rivières de vin rouge et blanc et des torrents de miel ou de lait arrosent les vallées. Partout s’étalent des tables chargées de mets et de victuailles sans cesse renouvelés. Ces terres regorgent de chèvres, de moutons, et de toute sorte de bétail. Des poulets rôtis, du gibier cuit à point et des chapelets de saucisses poussent sur les arbres. Chacun dispose des plus beaux atours, que l’on trouve suspendus aussi bien aux murs des grottes qu’aux branches des chênes. Bien sûr, même les désirs plus charnels peuvent être assouvis ; et le pays de Cocagne n’a jamais entendu parler de mort ou de vieillesse car dans ses fontaines, l’élixir de jouvence coule à flots.

Paola Pivi est la grande prêtresse de Cocagne ; la seule qui possède la carte secrète qui mène à cette contrée aux rues pavées de biscuits. En fait, toute son œuvre est un hymne à l’abondance, à la victoire triomphante du principe de plaisir sur les lois du réel. Inlassablement surgissent dans son œuvre des images de nourriture, cornes d’abondance comestibles et autres tentations culinaires : piles de biscuits, montagnes de crème dans lesquelles se roulent crocodiles et alligators, milliers de tasses de capuccino et, plus récemment des fontaines de vin, de café, de jus, d’huile ou de sirop. Paola Pivi a composé ces allégories de l’opulence et de la gloutonnerie par dizaines. Certes, contrairement aux sauces et aux bouillons traditionnels qui dégoulinent du village rustique que décrit la légende médiévale, la nourriture utilisée par Paola Pivi appartient à un monde industrialisé et hyper-artificiel : ce sont des aliments qui laissent un arrière-goût métallique, à tel point qu’il est impossible de différencier leur couleur et leur saveur, de même qu’il est inutile de chercher la nature exacte ou l’origine de ses ingrédients. Tout a été traité, modifié et recomposé. Dans ses installations comme dans ses choix de couleur et d’essence, Paola Pivi adopte l’esthétique glacée de l’étalage commercial. Parce qu’elles éveillent chez nous ce sentiment de sophistication et de distance que procurent les médias et la publicité, ses installations s’apparentent davantage à des simulations. Dans le monde de Paola Pivi pourtant, il est essentiel que les images les plus extrêmes et les actes les plus insensés se déroulent dans le monde réel, sans aucun trucage ni retouche Photoshop. Ce que l’on voit est ce que l’on obtient – même si le résultat semble incroyable. D’une certaine manière Paola Pivi cherche à renverser le concept de la trêve de l’incrédulité : elle souhaite créer des projets trop réels pour être vrais. En d’autres mots, Paola Pivi pousse la vérité à un tel degré d’excès qu’elle devient invraisemblable.








C’est peut-être dans les séries animalières de Paola Pivi que cette stratégie apparaît avec le plus de clarté et d’intensité. Ses photographies de zèbres transportés dans des paysages montagneux, ses images d’autruches et d’ânes dérivant au milieu de la mer ou, plus récemment, ses ours au plumage jaune sont autant de variations sommaires de la technique du ready-made, même si des créatures de chair et d’os ont remplacé les objets. Ainsi, ces déroutants changements de contexte ne mènent à aucune spéculation philosophique ou intellectuelle, mais semblent plutôt manipuler l’ADN même de la réalité : la confusion ne se situe pas entre ce qui est de l’art et ce qui n’en est pas, mais entre ce qui est réel et ce qui est possible, entre la vérité et l’hallucination. Le travail de Paola Pivi s’apparente à un dadaïsme transgénique. Tout peut arriver dans l’univers qu’elle crée : même les objets les plus encombrants peuvent se retrouver sens dessus-dessous – camions retournés sur le côté, avions et hélicoptères renversés sur le dos. Des centaines, parfois des milliers d’objets et de personnages peuvent être alignés, mis en rang ou entassés. L’idée d’accumulation et de concentration est fondamentale dans la grammaire visuelle de Paola Pivi : une centaine d’hommes et de femmes chinois alignés dans une même pièce, un millier de petites ampoules électriques dans Per Luce, ou encore des centaines et des milliers de litre alimentant la fontaine de It’s a cocktail party. Les installations de Paola Pivi agissent comme de véritables accumulateurs, chargés de forces et des formes qui s’entassent et s’alignent, prêtes à délivrer des flots d’énergie nouvelle et même à exploser. Le travail de Paola Pivi s’apparente aussi à un minimalisme cyclopéen dans lequel les répétitions et les séquences sont poussées à un tel degré d’excès et de frénésie qu’elles s’effritent et produisent leur effet opposé : la vénération de l’unique et de l’exceptionnel. Tels ces centaines de visages chinois qui frappent par leur singularité justement parce qu’ils sont placés côte à côte et les uns derrière les autres. Ou comme ses sculptures de rangées de rubans, ou encore comme dans les fontaines, dans lesquelles deviennent plus évidentes ses références à l’esthétique industrielle du minimalisme, références ensuite critiquées par une explosion de bruits et de couleurs qui tranche radicalement avec le calme apollinien de l’art des années 1960. En réalité, en évoquant le bouillonnement d’une fontaine de vin, les pompes de It’s a cocktail party rejettent l’esthétique du silence : les sculptures portent le vacarme – ou plutôt, un toast passablement alcoolisé. C’est une sculpture bacchanale.

Mais plutôt que de chercher les références de Paola Pivi dans le courant minimaliste, il faut aller les trouver dans l’histoire de l’art italien : la tradition futuriste ou l’héritage de l’œuvre plus récente d’Alighiero e Boetti. Le travail de Boetti est un catalogue de possibilités, de répétitions et d’exceptions – il s’efforce de saisir Tout (pour reprendre le titre de Tutto, l’une de ses pièces les plus connues). Tout comme Boetti, Paola Pivi s’intéresse à la répétition et au rythme, du moment qu’elles ne viennent pas étouffer l’unique, l’irremplaçable, l’exceptionnel et l’exception. Comme Boetti encore, Paola Pivi est attachée à la célébration de la variété, de la richesse polyphonique du monde. On trouve même des similarités dans leurs palettes respectives : le rouge de Boetti rappelle les couleurs vives et presque agressives des œuvres de Paola Pivi. Comme lui, elle est fascinée par les mondes reculés et les univers parallèles. Boetti rêve de l’Afghanistan et l’Orient, Paola Pivi s’imagine un monde d’objets, de produits et de marchandises – un pays des jouets qui aurait sombré dans la folie.

Guitar guitar, l’œuvre de Paola Pivi qui se rapprocherait le plus du travail de Boetti, est un autre hymne à l’abondance : plusieurs milliers d’objets sont réunis par paires identiques, deux par deux, comme dans une arche de Noé du capitalisme le plus avancé : voitures, tracteurs, lampes, vêtements, tables, parapluies, balles, tentes, valises, briquets, une interminable litanie de produits, du plus petit au plus grand, ad infinitum. Comme le récit biblique, Guitar guitar offre une double interprétation : c’est l’histoire d’un salut, mais c’est aussi et avant tout une histoire de châtiment et de vengeance divine – l’histoire d’une apocalypse. De la même manière, les produits empilés, aussi séduisants qu’ils puissent paraître, ont quelque chose d’oppressant, comme l’odeur des jouets tout juste déballés : cette odeur de neuf qui devient déplaisante, et presque irrespirable.

Cet équilibre précaire entre euphorie et dépression, entre ce qui est neuf et ce qui est mortel est un autre élément récurrent dans l’œuvre de Paola Pivi. Son travail coupe littéralement le souffle, imprégné d’une telle surexcitation qu’on l’imagine entremêlé de rires qui tournent à la suffocation. Son travail contient une telle surabondance d’objets et de présences que le public peinerait presque à y trouver sa place. Par exemple lorsque le spectateur se place devant les fontaines de It’s a cocktail party, ce ne sont pas seulement les bruits et les éclaboussures qui l’intimident et le plongent dans l’excitation, c’est aussi une certaine fragrance, une odeur presque instantanément addictive – le parfait mélange entre le riche bouquet du vin rouge et la douceur artificielle de la glycérine. C’est le parfum que l’on imagine flotter à travers les rues de Toonville.






L’œuvre de Paola Pivi évolue parfois à la cadence fiévreuse d’un carnaval. D’ailleurs, elle a souvent considéré son travail comme une forme de célébration. Nombreuses sont les fêtes qu’elle a organisées, et nombreuses aussi celles pour lesquelles elle œuvre depuis des années. Dans 25 Cubans Dancing in an Oval Shape, un groupe de danseurs se réunit et se livre à une danse soudaine de quelques minutes à peine. Dans Interesting, les dizaines d’animaux blancs qui caracolent dans les salles donnent à l’exposition elle-même l’atmosphère d’une fête foraine, une ambiance de joyeuse convivialité. Parmi ces projets presque irréalisables, elle a imaginé inviter des milliers de personnes à se rassembler pour faire le plus de bruit possible. Tous ces rituels – qui sont aussi des formes d’accumulation, parce qu’ils sont systématiquement accomplis en groupe – sont tous marqués par une hilarité trop décomplexée pour ne pas sembler suspecte : c’est la gaîté démente du potlatch, l’euphorie du gaspillage – la danse d’un empire sur le déclin, aussi frénétique que décadente. Et c’est peut-être là que se situe le paradoxe et donc l’attrait de l’œuvre de Paola Pivi : c’est le rêve du pays de Cocagne, mais rêvé par une société déjà trop nourrie et qui a toujours vécu dans l’opulence. Le rêve d’abondance qui se manifeste dans ses œuvres devient alors d’autant plus excessif, qu’il est détaché de toute nécessité réelle. Ses fontaines ressemblent finalement à des célibataires endurcis qui tournent en rond : elles miment le désir sans jamais ressentir le besoin de l’assouvir.


SAY IT LIKE YOU MEAN IT (DIS-LE COMME TU LE PENSES)

par Jens Hoffmann


Les œuvres de Paola Pivi se caractérisent par une simplicité décomplexée. Les éléments qui les composent sont souvent des objets banals. De prime abord, nous les reconnaissons facilement pour ce qu’ils sont dans la vie courante : un camion, un avion, un âne. Les titres sont explicites : Pizza (1998), 100 Chinese (1998), A helicopter upside down in a public square (2006). Mais à peine assemble-t-on les morceaux du puzzle, que l’idée d’ensemble se dérobe. Par un habile changement de contexte, d’échelle ou de positionnement, les choses les plus ordinaires prennent une tournure nouvelle, incongrue. Les spectateurs traversant cette expérience indicible sont mis au défi de déjouer d’inextricables noeuds sémiotiques, sans jamais être assurés qu’une solution existe.

Paola Pivi évite soigneusement de donner la signification de ses œuvres. L’élaboration de la valeur symbolique de l’œuvre incombe au spectateur. Pour ce faire, il se remémore des anecdotes et s’inspire de son vécu. C’est ce qui fait la particularité des compositions de Paola Pivi. Ces expériences ne peuvent être théorisées dans les grandes lignes. Lorsque l’on applique des grilles de lecture objectives, les plus pertinentes semblent être les plus immédiates et les plus viscérales, quasi-mystiques parfois : un texte religieux, les propriétés chimiques du cerveau, les paroles prophétiques d’un philosophe au bord de la folie.

Les œuvres les plus sublimes exigent toujours un acte de foi. Parce qu’elles nous demandent d’intégrer un environnement qui met en évidence nos limites physiques et cognitives, elles créent le malaise. Les sentiments d’émerveillement ou de précarité peuvent être considérés comme une finalité en soi, mais ils ont un autre but, celui d’encourager la méditation et la réflexion, d’abord sur le fonctionnement interne de nos émotions, puis sur ce qu’elles impliquent dans notre rapport au monde. Les œuvres de Paola Pivi traitent de lieux communs comme la pureté, les catastrophes, les choses naturelles ou celles crées de la main de l’homme. Pourtant, la question ici n’est pas ce qu’elles racontent mais l’introspection qu’elles encouragent. Elles taisent ces informations qui permettraient aux visiteurs de se rapporter à des définitions familières, et semblent en conséquence irréelles, détachées du domaine de l’ordinaire. Nous sommes pourtant confrontés tous les jours à des situations inachevées, suspendues ; l’attention que nous leur accordons et la signification que nous leur prêtons nous éclairent tant sur nos capacités individuelles que sur notre imaginaire collectif.

Les photographies de Camion (1997) suggèrent une tragédie : un poids lourd rouge gît sur le bas-côté d’une route aride. L’absence de contexte invite à la spéculation. Qu’est ce qui a provoqué l’accident ? Est-ce l’épuisement du conducteur, ou un chien égaré sur la route, une brusque embardée ? L’étude méticuleuse de l’image ne confirme aucune hypothèse. Nulle trace de dérapage, ni de fumée, ni de cargaison renversée. En examinant l’image de plus près, il semble peu probable qu’un accident ait eu lieu. Le camion est bien aligné sur le bord de la route à l’extrémité d’un espace délimité par une rangée de haies. Toute inquiétude pour le conducteur ou les passagers du véhicule s’avère déplacée. Paola Pivi a orchestré le renversement de ce camion à l’entrée de l’exposition collective “Provincia - Merccato Globale Fuori Uso” en 1997 à Montesilvano, Pescara, Italie alors qu’elle était encore étudiante. Le camion/sculpture était présent pour toute la durée de l’exposition. L’artiste a documenté cette intervention par des photographies, devenues aujourd’hui la principale manière de vivre l’œuvre. Camion est l’exemple précoce de l’ingénierie ambitieuse et du travail collaboratif qui sont à l’origine de la plupart de ses œuvres. Cette intervention montre aussi l’intérêt de l’artiste pour l’artifice, les distorsions d’échelles et une narration à fin ouverte. Elle témoigne aussi du degré de curiosité et d’imagination que son œuvre requiert du spectateur ; inévitablement les histoires que nous projettons dans l’œuvre sont plus puissantes que ce qui s’est réellement passé, nos associations d’idées plus vastes que la portée initiale du geste.

Dans une performance privée réalisée dix ans plus tard à la Kunsthalle de Bâle, l’artiste nous demande le même effort de projection. One cup of cappucino, then I go (2007) représente un léopard lâché dans un espace d’exposition, dans lequel avait été soigneusement alignées des tasses de capuccino factices surmontées d’une mousse en plastique rigide. Déambulant du sol aux socles, puis des socles aux étagères, le félin a renversé les nombreuses rangées de tasses. Bien que les visiteurs de la Kunsthalle ne pouvaient assister au spectacle, ils étaient invités à voir le résultat final : un désordre laissé intact. Certaines tasses avaient été épargnées, d’autres avaient roulé au sol. Les spectateurs pouvaient flâner à travers l’installation en imaginant ce qui s’était produit. C’est seulement après avoir traversé l’espace, que les spectateurs découvraient les photographies de la performance : des petits clichés représentant le fauve tout en nerfs, rôdant dans la salle et bâillant au milieu des débris. On peut prêter plusieurs significations à la situation en elle-même : les mouvements instinctifs du félin en opposition à la chorégraphie des sociabilités humaines; ou l’indifférence de la nature envers l’artificiel. Pourtant ces significations semblent moins intéressantes que l’absence évidente du léopard et le plaisir d’imaginer ses mouvements délibérés, semant sans qu’il en ait conscience la destruction.

100 Chinese, réalisée pour la première fois en 1998, puis en 2005, explore également le territoire nébuleux de l’imagination du visiteur, même si l’aspect politique de cette performance interpelle davantage. Comme le titre le suggère, Paola Pivi a rassemblé dans un espace d’exposition 50 ou 100 chinois habillés à l’identique : pull-over gris, pantalon sombre bleu et chaussures noires. Ils sont restés là, à soutenir le regard du public, avec seulement quelques variations de postures et d’expressions. L’œuvre d’art invite à regarder de plus près, un acte plutôt dérangeant ici, voire malsain. Cette invitation à regarder suggère qu’il y a un élément objectif à observer – cette suggestion provoque un malaise justifié, ancré dans ces idées de différences raciales qui se sont avérées destructrices pour une société équitable. En ne faisant que ce que l’on attend de lui - regarder - le spectateur est pris dans une foule de préjugés sur la race et la nationalité. Au delà de la seule observation, l’oeuvre interroge la signification de l’acte de regarder les autres. Ici encore, l’apport du participant est au cœur même du contenu ; sa réaction et ses associations étant plus chargées que la situation elle-même.

Comparée à la tonalité conflictuelle de cette œuvre, One Love (2007) semble à première vue inoffensive et ludique. La photographie représente un groupe d’animaux hétéroclites qui cohabitent en paix dans un pré verdoyant et bien entretenu : des oies, des moutons, un serpent, deux chiens, un chameau, un lama, un lapin, un ours polaire, une poule et un papillon. Ces animaux n’ont rien en commun, à part cette seule caractéristique : ils sont tous blancs. Après avoir contemplé avec fascination la diversité de leurs formes et de leurs tailles et s’être demandé comment ils se sont retrouvés ensemble dans ce pré, on en vient à se poser la question la plus évidente : pourquoi sont-ils tous blancs ? Et que vient faire ici la blancheur ? Elle pourrait évoquer la pureté ou la race, ou n’être qu’un choix formel, arbitraire et insignifiant. On se demande si ces questions sont impliquées par l’action de regrouper des êtres de la même couleur, ou s’il s’agit d’une réponse socialement conditionnée, qui réside avant tout dans l’esprit de l’observateur. Dès lors, cette oeuvre traite moins d’une nature artificiellement agencée, que de la charge politique et culturelle qui lui est inévitablement associée. Dans une autre œuvre, Interesting (2006) à l’occasion de l’exposition No problem, have a nice day (2006), certains de ces animaux blancs font une apparition dans la galerie, parmis des œuvres en deux dimensions, plus traditionnelles. Le titre de l’exposition est une banalité, une réponse à un « merci » implicite, le genre de politesse qui fluidifie les interactions et évite le conflit.

Le respect enfantin et craintif qu’inspire les œuvres de Paola Pivi n’est pas systématiquement mêlé à ce genre de controverses, parfois il s’agit tout bonnement d’émerveillement comme dans Pizza (1998), une pâte de deux mètres de diamètre recouverte de mozzarella fondue, étalée au sol, ou encore dans cette série de 2007-2008 qui présente des ours polaires grandeur nature recouverts de plumes jaunes. Intitulés What is my name ?, Life is great et Have you seen me before ?, les ours sont figés sur place comme s’ils avaient été taxidermisés. Le premier se tient sur ses pattes arrière, souriant avec bienveillance, le second montre ses dents en tendant vers nous une patte imposante, toutes griffes sorties, et le dernier a la tête posée sur le sol et l’arrière-train relevé, l’air découragé. S’il n’y en avait qu’un seul, il aurait évoqué une mutation, un animal familier qui aurait subit d’étranges altérations. Mais la répétition transforme ces prédateurs à plumes en une espèce à part, dont l’adaptation semble avoir été acceptée par l’évolution. Leur plumage est un élément à la fois original et obsolète. Inapte à soulever du sol l’ossature robuste et la masse encombrante de l’ours, il n’a pas davantage d’utilité qu’un appendice humain ou qu’une dent de sagesse. Mais comme c’est le cas dans la nature, l’irrationalité n’empêchera pas cette population de proliférer. Bientôt les variations génétiques se développeront et produiront des ours au plumage rouge, bleu, vert clair, violet, orange et rose.

Dans ces œuvres, Paola Pivi s’empare de choses dont le “gestalt” est profondément ancré dans la conscience collective, et les pousse à l’extrême par son intervention franche et brillante. Ces sculptures ont vocation à rendre insensé ce qui est sensé et à s’en délecter : comme lorsque l’on répète le même mot encore et encore, jusqu’à ce qu’il perde toute signification. En 2001, l’artiste s’est lancée dans un work in progress qui transposera ses investigations sur la taille et l’étrangeté à une échelle géologique. Alicudi Project (2001) emprunte son nom à l’île volcanique qu’elle représente. Cette réserve naturelle d’un peu moins de 1,6 kilomètres de large a la forme d’un cercle approximatif, surmontée d’une pointe émoussée qui émerge (violemment autrefois, aujourd’hui de manière paisible) de la Méditerranée. L’œuvre se compose d’immenses rouleaux de papier photographique déclinant des pixels du gris-vert au lavande, en apparence tout à fait abstraits. Indéchiffrable lorsqu’on la regarde de près, dans les limites de l’espace de la galerie, l’oeuvre est une impression de l’image de l’île dans son intégralité, à taille réelle. Une fois assemblés, les rouleaux gargantuesques formeront une parcelle de terre étalée sur une autre, celle-ci plus plate. Et pourtant, l’image de l’île ne pourra être appréhendée que si elle est vue du ciel. En montrant l’île “grandeur nature”, l’œuvre met en place une stratégie publicitaire que l’on observe d’ordinaire avec les chips et les jouets. Elle renverse son but initial en obscurcissant la vision de l’objet, la rendant plus difficile à reconnaître et ainsi, plus propice aux projections et aux spéculations. Le traitement appliqué par Paola Pivi aplatit les courbes de la montagne et substitue à ses infimes détails des blocs colorés. Les visiteurs font le reste en s’imaginant des années plus tard, haut dans les airs, au-dessus de l’île fidèlement reconstituée dans son intégralité.

Cette investigation dans les jeux d’échelle parle d’un enjouement débordant et communicatif. Dans Untitled (slope) (2003), l’artiste a érigé une structure d’acier qu’elle a revêtu de gazon doux ; les spectateurs étaient invités à monter au sommet de la coline et à se laisser rouler jusqu’en bas. À première vue, l’œuvre est une réminiscence d’autres interventions artistiques ayant un usage peu conventionnel du sol de la galerie : dans Seedbed (1972), par exemple, Vito Acconci se cache sous une structure semblable et se masturbe au pied des visiteurs, détaillant à haute voix ses fantasmes aux personnes qui marchent au-dessus de lui. Par contraste, Untitled (slope) invite à des pulsions qui ne sont pas de nature sexuelle mais radicalement innocente. Le plaisir n’est pas celui de l’artiste, mais celui des spectateurs, est l’action reste de leur côté.

Avant d’entrer dans It’s a cocktail party (2008), les visiteurs étaient invités à revêtir des ponchos de plastique transparent. Dans la galerie de Portikus à Francfort, une série de tuyaux de près de cinq mètres de haut crachent neuf fluides colorés. Sélectionnés autant pour leurs usages que pour leur couleur, les liquides – vin, lotion pour le visage, encre noire, glycérine, lait d’amande, huile d’olive, espresso, eau et sirop d’aspérule – se déversent dans des bassins d’acier poli et arrosent le public à hauteur de torse. Larges de dix centimètres, ces torrents écarlates, rouges, noirs, roses, blancs, jaunes, marrons et verts, produisent un effet intense et viscéral ; les visiteurs sont éclaboussés de gouttelettes rebelles, leurs rétines inondées de couleur, leurs narines saturées de senteurs incongrues et leurs tympans assourdis par le vacarme de ces cascades sans fin. Le niveau inhabituel d’immersion qu’exige cet environnement s’inscrit dans la droite lignée de la performance. Mais la participation est l’un des fils rouges du travail de Paola Pivi, qu’il s’agisse de ses œuvres visuelles ou de celles dont la nature est plus sculpturale, voire environnementale. Invariablement, les spectateurs sont chargés de construire les réalités qui rendent les scénarios de Paola Pivi remarquables.

Cette offre généreuse ne signifie pas pour autant que les participants sont consentants, ni même amusés. A helicopter upside down in a public square (2006) a divisé l’opinion à un point qui n’est pas sans évoquer Tilted Arc (1981) de Richard Serra, célèbre commande publique retirée du Federal Plaza de New York après huit ans de contestation. L’installation de Paola Pivi en revanche a toujours été pensée comme temporaire. Néanmoins, sur la place adjacente à la Mozartplatz de Salzbourg, l’hélicoptère retourné sur ses pales a semé l’angoisse parmi les habitants et les touristes, qui l’ont perçu comme une intervention inoppotune et inutile, encombrant un espace dédié à l’ordre et la beauté (par sa proximité avec Mozart). Et en effet, l’œuvre se délecte de son propre illogisme : le dispositif qui permet à l’engin de s’élever devient le piédestal qui le maintient en place. L’objet est littéralement sens dessus-dessous, le fuselage à hauteur de regard. Toujours aussi pesant, il semble étrangement aérien – sa surface prend une dynamique nouvelle, une vie qui lui aurait été interdite si l’engin volant avait été autorisé à se comporter normalement. Untitled (airplane) (1999), un chasseur à réaction italien retourné, que l’on a pu voir la même année à la Biennale de Venise, semble également inexplicablement doté de conscience, invitant même la revue Modern Painters à l’anthropomorphisme : “comme s’il s’agissait d’une personne qui se serait allongée sur le sol pour regarder le ciel”. Dans How I roll (2012), un petit avion Piper Seneca a été littéralement réanimé, mis en mouvement à l’extrémité sud-ouest de Central Park à New York, tourbillonnant sur l’axe courbé de ses deux ailes. Ces œuvres rappellent des précédentes explorations – camion et tasses de capuccino renversés – en ce sens qu’elles suggèrent un accident sans jamais l’affirmer. Mais au lieu de représenter la violence d’une collision, elles fascinent à leur bon droit, comme un mobile sur lequel on pourrait monter.

La fantaisie de s’introduire dans ce genre d’espace se réalise avec Untitled (2012), une collaboration avec l’auteur de bandes dessinées Dylan Horrocks. Imprimé sur un panneau d’affichage à Shanghai, ce long dessin au trait représente une coupe transversale imaginaire et stylisée d’un avion retourné. Ses passagers, qui ont abandonné les sièges au-dessus de leur tête pour marcher sur le plafond, s’attaquent à leurs activités quotidiennes : ils votent, se cachent, construisent, brûlent, mangent, cousent, font les poubelles, peignent, vomissent, prient, pétrissent et chantent. Ils font et défont, se mêlent aux autres et se tiennent à l’écart, se font arrêter et verbaliser. L’unique occupant du cockpit est un poisson dans son aquarium (référence à I wish I am a fish (2009) dans laquelle quatre-vingt quatre poissons rouges, possédant chacun son propre siège et son aquarium, ont volé pendant trois heures au-dessus de la Nouvelle Zélande dans un boeing 727). Le pilote de cet avion renversé et étiré a abandonné son poste ; distrait, assis sur une valise, il lance des avions en papier vers la queue de l’appareil. Bien que les œuvres de Paola Pivi demandent au spectateur un niveau inhabituel de confiance et d’attentes, ce dessin suggère qu’elles ne concernent pas uniquement des réalités singulières, internes et profondément personnelles, mais surtout une collectivité implicite. Le fantasme de vivre dans l’un de ses espaces improbables – sur le bord d’une route avec le camion renversé, dans un white cube en compagnie de monstres à plumes ou loin au-dessus d’un simulacre d’île volcanique – suppose inévitablement la présence des autres, qu’ils soient humains ou non. Les expériences sublimes sont conçues pour provoquer l’extase, pour permettre aux visiteurs de s’intérioriser puis de s’extérioriser. En nous invitant à vivre ces aventures irréelles dans un espace tangible, Paola Pivi offre une occasion de se fier à ses perceptions et à son imagination plus qu’à sa logique, de rendre insensé ce qui est sensé dans un monde dominé par les données et les capitaux. Il nous est offert la chance peu commune d’imaginer le genre de société que l’on pourrait créer, détaché de toute raison. Comme le sous-entend ce dessin, les résultats de ces expériences sur la pensée et l’émotion seront bien loin d’être utopiques, mais ils seront certainement insolites, et très probablement merveilleux.