Born in 1974 in Tokyo, Japan
Lives and works in Kyoto, Japan


Chiho Aoshima started her art practice in the 1990s, rising to prominence with the international debut of her masterful, digitally rendered work in the acclaimed Superflat exhibition held at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles in 2001.

A self-taught artist and an early member of the Japanese art collective Kaikai Kiki, she began working in Adobe Illustrator before expanding into traditional mediums namely drawing, watercolor and, more recently, ceramics. Otherworldly figures and dream-like landscapes depicting child-like spirits, anthropomorphic flora, fauna and even skyscrapers, feature in Aoshima’s works.

Distinctly feminine and spiritual, the worlds and their inhabitants Aoshima has created are built on the natural world, playful and often humorous, belying melancholy and darkness. This duality is to be found in other characteristic themes — utopia/dystopia, nature/technology, natural/artificial — through which she explores ideas relating to the cycle of birth, death and rebirth. Deeply influenced by Japanese religious and cultural beliefs, her work is rooted in Shintoism, folklore and art historical traditions, which she interprets in a contemporary context to express her views on the future, humankind’s coexistence with nature, and the realities of our rapidly changing world.

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Born in 1974 in Tokyo, Japan
Graduated from Department of Economics, Hosei University, Tokyo, Japan

solo shows

- "Our Tears Shall Fly Off into Outer Space", Perrotin, Hong Kong

- "Chiho Aoshima: City Glow", Washington State University Jordan Schnitzer Museum of Art, WA, USA

- "Chiho Aoshima: Takaamanohara", Colorado Springs Fine Arts Center, Colorado College, CO, USA

- "Rebirth of the World", Kaikai Kiki Gallery, Tokyo, Japan
- "Rebirth of the World", Kaikai Kiki Pop-Up Gallery, Kyoto, Japan

- "Rebirth of the World", Seattle Art Museum, Seattle, WA, USA

- "Chiho Aoshima: City Glow", Museum of the Moving Image, New York, NY, USA

- "Kawaii ! Horror and Seduction", Foundation Joan Miró, Barcelona, Spain

- Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- "Chiho Aoshima: City Glow", Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA

- "As we died, we began to regain our spirit", Artspace Residency Program, San Antonio, USA
- "Chiho Aoshima: The Divine Gas", lobby installation for new building, Institute of Contemporary Art, Boston, MA, USA
- "Chiho Aoshima", BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, UK
- "Chiho Aoshima", Musée d’Art Contemporain, Lyon, France
- "City Glow, Mountain Whisper", Gloucester Road Subway Station installation, Platform for Art, London, UK

- "Asleep, Dreaming of Reptilian Glory", Blum & Poe Gallery, Los Angeles, CA, USA
- "MTA Subway Poster Design", Public Art Fund, New York, NY, USA
- "City Glow and Paradise", Union Square Subway Station Installation, Public Art Fund and Japan Society, New York, NY, USA
- "DoCoMo Kyūshū Ad Campaign", NTT DoCoMo, Kyūshū and Okinawa, Japan

- Collaboration with Patrick Demarchelier for the May issue of Harper’s Bazaar magazine
- Opening of the gallery in Miami, Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, FL, USA 
- Extension Gallery Opening, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France

- Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- "MACROMATRIX: For your pleasure", UC Berkeley Art Museum, Berkeley, CA, USA
- Collaboration with Naoki Takizawa for Issey Miyake, Tokyo, Japan

- Blum & Poe Gallery, Santa Monica, CA, USA

- Collaboration with Naoki Takizawa for Issey Miyake, Tokyo, Japan

group shows

- AU BOUT DE MES RÊVES, Lille3000, Lille, France
- "Hokusai: Inspiration and Influence”, Museum of Fine Arts, Boston, USA

- "Healing", Perrotin, Shanghai, China
- "GEIBI KAKUSHIN (Aesthetic Innovation on Japanese Ceramic Art)", Perrotin Matignon, Paris, France

- “Healing”, Perrotin, Paris, France
- "Healing", Galerie Perrotin, Seoul, South Korea

- "Japan Supernatural", Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia

- "Bubblewrap", Contemporary Art Museum Kumamoto, Kumamoto, Japan 

- "Juxtapoz x Superflat", Vancouver Art Gallery, Vancouver, Canada

- "Theatrical Gestures", Herzliya Museum of Contemporary Art, Israel

- "Kyoto-Tokyo: From Samurais to Mangas", Grimaldi Forum, Monaco

- "Sacred Monsters: Everyday Animism in Contemporary Japanese Art and Anime", Tufts University Art Galleries, Medford, MA, USA
- "The Very Bottom Of The Air", Kaikai Kiki Gallery, Tokyo, Japan
- "VRAOUM", La Maison Rouge, Paris, France
- "Wonderland through the Looking Glass", Kunsthal KAdE, Amersfoort, Netherlands
- "Pretty is as Pretty Does", Film screening, Site Santa Fe, Santa Fe, NM, USA

- "Aya - Chiho Drive", Kaikai Kiki Gallery, Tokyo, Japan
- "Psychedelic: Optical and Visionary Art since the 1960s", San Antonio Museum of Art, San Antonio, TX, USA
- "Krazy! Delirious World of Anime + Comics + Video Games + Art", Vancouver Art Gallery, Vancouver, Canada
- "Re-Imagining Asia", Haus der Kulturen der Welt: The House of World Cultures (HKW), Berlin, Germany
- "Kaikai Kiki Artists", Kaikai Kiki Gallery, Tokyo, Japan
- "The Cinema Effect: Illusion, Reality, and the Moving Image", Smithsonian Institution, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, WA, USA

- Kaikai Kiki Exhibition, Aoi Gallery, Osaka, Japan
- "City Glow", Nuit Blanche Toronto, Toronto, Canada
- 6th Mercosur Biennial, Porto Alegre, Brazil
- "Red Hot: Asian Art Today from the Chaney Family Collection", Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA
- "Land of the Samurai", Aberdeen Art Gallery, Aberdeen, Scotland, UK
- "Disorder in the House", Vanhaerents Art Collection, Brussels, Belgium
- "MCA Exposed: Defining Moments in Photography", 1967-2007, Museum of Contemporary Art Chicago, IL, USA
- "Like Color in Pictures", Aspen Art Museum, Aspen, CO, USA

- "Banquet: A Feast for the Senses", Pacific Art Museum, Pasadena, CA, USA
- "TBA" Mizuho Oshiro Gallery, Kagoshima, Japan 
- "Human Land", Palais des Beaux-Arts de Lille, Lille, France
- "Spank the Monkey", BALTIC Centre for Contemporary Art, Gateshead, UK
- "Berlin-Tokyo, Tokyo-Berlin", Neue Nationalgalerie, Berlin, Germany
- Starkwhite Gallery, Auckland, New Zealand; Dunedin Public Art Gallery, Dunedin, New Zealand
- "Painting Codes", Galleria Comunale d’Arte Contemporanea, Rome, Italy
- "Il Diavolo del Focolare", Plazzo della Triennale, Milano, Italy
- "See Into Liquid", Contemporary Art Museum of Denver, Denver, CO, USA
- "Rising Sun", Melting Moon, The Israel Museum, Jerusalem, Israel
- "POPulance", Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, NC, USA
- "Roppongi Hills Show", Tokyo, Japan
- Walker Center installation, MN, USA
- "International Artist-in-Residence: New Works 06.3", Artspace, San Antonio, TX, USA
- "Twogether", 34 Long Fine Arts, Cape Town, South Africa

- "See into liquid" curated by Cydney Payton, Museum of Contemporary Art, Denver, CO, USA
- "Variations on the Picturesque", Kitchener-Waterloo Art Gallery, Kitchener, Ontario, Canada
- "Kaikai Kiki exhibition", Aoi Gallery, Osaka, Japan
- "Ecstasy: In & About Altered States" curated by Paul Schimmel, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, USA
- "POPulance", Blaffer Gallery, Museum of Art of the University of Houston, Houston, TX; Cleveland Museum of Contemporary Art, Cleveland, OH; Southeastern Center for Contemporary Art, Salem, NC, USA
- "Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture" curated by Takashi Murakami, Japan Society, New York, NY, USA
- "What’s Good Conference", Lecture, Hong Kong Arts Centre, Hong Kong, Japan
- Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France

- Galerie Emmanuel Perrotin, Miami, FL, USA
- "Mysterious" curated by Dominic Molon, Palm Beach Institute of Contemporary Art, Palm Beach, CA, USA
- "54th Carnegie International 2004-05", Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA, USA
- "T-Junction", Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- "Fiction Love: Ultra New Vision in Contemporary Art", Museum of Contemporary Art, Taipei, Taiwan 
- "Eijanaika! Yes Future!" Lambert Collection, Avignon, France
- "Art Unlimited", Basel Art Fair, Basel, Switzerland
- "Lonely Planet", Art Tower Mito, Ibaragi, Japan
- "Tokyo Girls Bravo", Marianne Boesky Gallery, New York, NY, USA
- Chiho Aoshima, Mr., Aya Takano, Galerie Emmanuel Perrotin at LFL Gallery, New York, NY, USA
- "Little Boy : The Arts of Japan's Exploding Pop Culture", Japan Society, New York, NY, USA

- "Hope—The Future is in Our Hands", LAFORET Harajuku, Tokyo, Japan 
- "For the Record: Drawing Contemporary Life", Vancouver Art Gallery, Vancouver, Canada
- "Splat, Boom, Pow! The Influence of Comics in Contemporary Art" curated by Valerie Cassel, Contemporary Arts Museum, Houston, TX, USA
- "The Mythical Being of Desire: Chiho Aoshima, Shirin Neshat, Shazia Shikander", Glass Curtain Gallery, Columbia College, Chicago, IL, USA
- "MACROMATRIX: For your pleasure", UC Berkeley Art Museum, Berkeley, CA, USA
- "SAM Collects: Contemporary Art Project", Seattle Art Museum, Seattle, WA, USA
- Asprey Jacques, London, UK

- Art Basel Miami, FL, USA
- FIAC, Paris, France             
- "Tokyo Girls Bravo 2", NADiff, Tokyo, Japan
- Chiho Aoshima, Aya Takano, Mr., Takashi Murakami, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris, France
- "Coloriage", Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, France 
- "Liverpool Biennial 2002", Tate Liverpool, Liverpool, UK 

- "Superflat", Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA; Walker Art Center, Minneapolis, MN; Henry Art Gallery, Seattle, WA, USA
- "Yokai Festival", Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo, Japan
- "Hiropon Show" curated by Takashi Murakami, Museum of Contemporary Art of Tokyo, Tokyo, Japan               
- "Hiropon Show", White Cube Gallery, Shinsaibashi PARCO, Osaka, Japan

- "Superflat", Tokyo and Parco Gallery, Nagoya, Japan

- "Hiropon 32-80" at NADiff, Tokyo, Japan and George’s, Los Angeles, CA, USA
- "Tokyo Girls Bravo", NADiff, Tokyo and Parco Gallery, Nagoya, Japan

public collections

- Ackland Art Museum, Chapel Hill, NC, USA
- Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA, USA
- Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, MN, USA
- Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, USA
- Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, USA
- Seattle Art Museum, Seattle, WA, USA

"Tête à tête avec un crâne"

par Kathy Siegel

Texte extrait du catalogue de l'exposition "Chiho Aoshima" au Musée d'Art Contemporain de Lyon en 2006.

À New York, l’année dernière, personne ne pouvait échapper au spectre de la tête de mort. Elle ornait les T-shirts, bien sûr - le meilleur endroit pour afficher ses préférences en matière de groupes de rock et sa rébellion contre l’autorité - mais aussi les écharpes de soie d’élégantes et les derby de gentlemen généralement peu associés au heavy metal ou aux penchants gothiques. Jusqu’à un certain degré, ce voile funèbre jeté sur les dernières tendances de la mode n’est que ce qu’il est : de la mode. Mais la mode n’est jamais “que” ça - qu’un aparté - et il y a quelque chose, dans l’attrait qu’exerce ce motif, qui se rattache à une pléiade de croyances, vagues impressions et symboles obscurs, mal définis, mystérieux, qui imprègnent ce moment culturel.

Je pensais à ces têtes de mort, l’autre jour, en contemplant la magnifique gravure de Chiho Aoshima : A Contented Skull, 2003. D’un énorme crâne, posé au milieu d’un cimetière, émerge un arbre d’ornement en fleurs qui le traverse et l’entoure, ses branches s’étendant et se tordant sur fond de ciel bleu brillant. Sur un côté de l’image, une grande silhouette féminine mystérieuse est affaissée contre le crâne. Ses cheveux s’entremêlent aux branches au point de défier toute distinction. On dirait qu’elle procède de l’arbre même. À l’opposé, une petite silhouette de fillette (peut-être un avatar de l’artiste) contemple la scène. En tant qu’image branchée et dorée de la mort, A Contented Skull est de plain pied dans la tendance de la mode internationale - tout en étant aussi spécifiquement japonais : les branches en fleurs très décoratives rappellent l’ondulation mouvante des compositions des rouleaux japonais traditionnels. L’imagerie du crâne rappelle d’une part une célèbre gravure de Kuniyoshi, maître du style ushiyo-e, dans laquelle un démon prend la forme d’une squelette géant, et d’autre part, un dessin animé pour enfants des années 1970, dont chaque épisode hebdomadaire se terminait sur l’image d’un champignon atomique en forme de squelette. La teneur du dessin - comme une grande partie de l’œuvre d’Aoshima - reflète de la même manière l’entrelacs des réalités de la mondialisation, de l’histoire et de la sensibilité japonaises.

Nous entrons à peine dans le nouveau millénaire mais déjà, le siècle naissant a un parfum de fin de siècle, reflet des images de conflits nationaux et religieux, de réchauffement global et de désastres annoncés que nous renvoie la presse quotidienne. La tête de mort exprime sans doute une envie superficielle d’être en marge, non-conformiste, mais elle distille aussi une note de mauvais présage. Les artistes, eux aussi, consultent des voyants, invoquent les esprits, font appel au surnaturel, vivent dans des mondes imaginaires, craignent et imaginent le pire. Ces sujets envahissent le travail de Paul Chan, Banks Violette, Jutta Koether, Philippe Parreno et d’autres artistes connus aussi bien aux États-Unis qu’en Europe. S’ils critiquent souvent, de façon implicite, la situation politique actuelle - caractérisée par les courants religieux fondamentalistes (avec tout ce qu’ils véhiculent d’adhésion enthousiaste à une imagerie de fin des temps) et les croyances aveugles (par opposition à l’analyse rationnelle) - ils sont aussi en harmonie avec elle.

Ici, comme dans d’autres domaines, la perspective japonaise a sa propre histoire et sa spécificité. Depuis les années 1980, nombre d’anime et de mangas japonais, parmi les plus importants, se situent dans des mondes post-Apocalypse, détruits par des conflits guerriers dévastateurs et/ou des désastres écologiques.

Les livres et films Akira, Evangelion et Nausicaa sont les exemples les plus connus d’histoires qui se déroulent sur un tel fond de désolation. Comme l’ont fait remarquer de nombreux critiques, fans et experts, la préférence pour ce type de cadre est à rapprocher du fait que le Japon contemporain est déjà - littéralement - une nation post-Apocalypse, après Hiroshima, après Nagasaki, après la pluie dévastatrice de bombes incendiaires que subit Tokyo. Takashi Murakami, icône de l’art pop tokyoïte, avalisa ce rapport dans son exposition de 2005 : Little Boy, et , dans une série d’articles pour des catalogues, souligna son importance pour l’art et plus généralement la culture japonaise contemporaine.

Si Chiho Aoshima n’a pas fréquenté d’école d’art, elle a appris les subtilités de l’infographie en regardant faire les autres. Parallèlement à son travail pour le studio de Takashi Murakami, elle développa sa propre pratique artistique. Ses premières œuvres, tel Fish Market, 1999, tendent à utiliser la couleur locale et des formes simples, aux contours exagérément soulignés. Leur style et leur teneur doivent énormément aux images populaires des gamines de mangas, qui combinent innocence, sexualité et violence. D’un point de vue formel, Ero-Pop, 2001 et Piercing a Heart, 2002, présentent déjà plus de complexité et de subtilité, avec des strates d’images et d’effets de couleur d’ambiance, bien que ces deux œuvres se concentrent encore sur un seul personnage principal. Si la référence stylistique au manga court comme un fil rouge plus ou moins prédominant à travers son œuvre, en général, la composition des travaux plus récents d’Aoshima se complexifie. Le trait est à la fois délicat et théâtral : de longues courbes descendantes relient une myriade de personnages ou de vignettes pour composer une seule œuvre qui peut atteindre la taille d’une peinture murale.

Cette expansion dans l’espace va de pair avec un étoffement de la teneur et le développement d’une forte dimension temporelle : non seulement les grandes peintures murales déroulent de véritables histoires mais les allusions au passé se répandent dans toute l’œuvre - un sentiment que l’ancien persiste au milieu des images et des techniques digitales les plus modernes et qui trouve une forme douce d’expression dans la prédilection d’Aoshima pour les objets anciens - usagés ou « vintage ». À un journaliste qui l’interrogeait sur ce qu’elle aime dans la culture japonaise, elle répondit qu’elle aimait flâner dans les marchés de brocante et d’antiquités. i Un goût qui se retrouve, tout aussi mélancolique, dans son amour des bâtiments abandonnés ou oubliés : « De mauvaises herbes qui poussent dans les lézardes. De furtifs coups d’œil à travers des fenêtres cassées qui laissent entrevoir des intérieurs sombres, des arbres entrelacés, des piquets à linge brisés, des jouets oubliés. »ii Plusieurs gravures représentent de jeunes filles - ou des goules ? - épiant le monde extérieur depuis l’intérieur de maisons apparemment abandonnées, où - on l’imagine - elles vivent des vies secrètes (Mado, 2003.) La version classique, romantique de cette envie, est l’intérêt qu’elle cultive également pour l’antique, pour la ruine architecturale :

"Tout a commencé quand j’ai vu des photos d’Angkor Vat dans le magazine Studio Voice. Je les ai mises au mur de ma chambre. Je les regardais tous les jours. Quand j’ai eu mon bac, je suis allée au Cambodge, là où se trouvent les ruines d’Angkor… Insensible au passage du temps, j’ai flâné lentement. C’était une sensation mystérieuse, comme si j’avais pénétré dans une autre dimension." iii

Le Romantisme du 19ème siècle fétichisait la ruine, souvenir d’un moment pré-moderne de l’histoire et stimulant triste et troublant des sensibilités et des émotions de l’individu. Il existe dans la littérature et l’art japonais une variante du Romantisme qui, malgré son lien avec l’art occidental, prit aussi un caractère spécifiquement nationaliste en se dressant contre la modernisation introduite par l’ouverture du Japon à l’Occident au 19ème siècle. iv

De la même manière, aujourd’hui, une croyance dans les personnalités mystiques du Shinto, et un amour des (ruines) des bâtiments japonais anciens, représentent une allégeance au Japon en tant que nation souveraine plutôt que redevable à des idéaux essentiellement exogènes du modernisme (même si, comble de l’ironie, le Japon a largement dépassé l’Occident dans de nombreux domaines de la modernité, de la haute technologie au consumérisme le plus élevé et le plus raffiné).

L’élan romantique le plus prononcé chez Aoshima est son passe-temps : la visite des cimetières. v

"J’ai réalisé que j’aimais les cimetières en voyant une perspective qui m’a rappelé une ancienne ruine. Il y avait des arbres partout, peu de gens, et les pluies acides avaient émoussé les formes distinctes des différentes pierres tombales autour de moi…Dans les cimetières, je me retrouve soudain à parler tout à fait naturellement à des gens que je ne connais pas. Je suis certaine que les gens vont dans les cimetières pour desserrer les nœuds qui leur étreignent le cœur, et les mots sortent alors tout naturellement. Si vous pleurez quand vous en avez envie dans un cimetière, vous vous sentez mieux, tout à coup. Le temps s’écoule lentement. Je voudrais me rendre dans tous les cimetières du monde ! " vi

Le cimetière - lieu de contemplation paisible : A Contented Skull , ou ville mystérieuse grouillant de goules et de zombies : Zombie, 2002 - est un motif très présent dans les œuvres d’Aoshima. Ce goût de l’horreur et du grotesque ou du Gothique (également reflété dans la culture populaire japonaise, en particulier dans le cinéma) se trouvait aussi dans la vague romantique qui balaya le Japon (et l’Occident) à la fin du 19ème siècle et dont l’œuvre de Tsukioka Yoshitoshi, que le critique d’art Midori Matsui considère comme un précédent du travail d’Aoshima, est un exemple très représentatif . vii Yoshitoshi était célèbre pour ses séries de gravures illustrant des histoires de fantômes (100 histoires de fantômes de Chine et du Japon, 1865) et de crimes célèbres, abondant en détails macabres.

Le regard d’Aoshima sur la nature est romantique plutôt que réaliste. Elle décrit des expériences - la confrontation avec un tsunami ou une tornade, ou, moins dramatique, la vision d’une montagne ou du ciel - qui sont bouleversantes par leur ampleur et leur force, et génèrent la crainte et le respect, voire la terreur. Des sentiments apparentés au concept occidental du sublime, et qui sont à mettre en parallèle avec ceux que font naître les cimetières, dans la mesure où ils inspirent une réflexion sur l’insignifiance de l’homme, et sont à la fois terrifiants et d’une immense beauté.
Aoshima utilise parfois des motifs de fleurs, d’insectes et d’animaux de manière décorative et admirable, surtout dans les œuvres de commande réalisées pour des magazines de mode (Vogue) et des créateurs (Issey Miyake). Mais même là, sa préférence ne va pas au trop manifestement aimable - chez elle, pas de chiots ou de lapinous pelucheux - mais plutôt aux insectes, aux reptiles, et autres créatures qui ne sont pas mignonnes à croquer. « Certaines créatures ont des formes si bizarres qu’on a du mal à y croire. Je n’arrive pas à croire qu’elles sont de ce monde. »viii Elle voit aussi dans les formes naturelles l’empreinte d’un monde préhistorique (pré-humain), d’un éclat figé du passé : « J’ai une attirance pour les créatures dont les formes ont survécu jusqu’à nos jours : les magnolias, les fougères, les crabes, les cœlacanthes pris dans l’ambre. C’est si beau, l’ambre : on dirait que le temps s’est emprisonné à l’intérieur.» ix

Dans la vision du monde d’Aoshima, les humains, plutôt que les insectes, finissent par sembler des créatures impuissantes, condamnées à l’anéantissement, même s’ils sont les auteurs de leur propre destruction.

Ses œuvres les plus récentes dépeignent de terrifiants désastres : autre trait caractéristique de l’art romantique, mais aussi élément de la réalité actuelle. Pour un Japonais d’aujourd’hui, l’apocalypse est à la fois une histoire vécue et un futur proche, dans lequel New York est sous les eaux, Paris étouffé sous l’effet de serre, Bombay écrasé sous la pression de ses bidonvilles, Beyrouth détruit par les armes nucléaires, et Tokyo éventré par des tremblements de terre. Sur l’immense peinture murale Magma Spirit Explodes. Tsunami is Dreadful, 2004, un hybride de tsunami et de tornade de feu géante engloutit le monde. L’œuvre est née, du moins en partie, de sa prise de conscience du réchauffement de la planète : « Je suis très préoccupée par les conditions climatiques anormales qui se manifestent partout dans le monde… Je ne pense pas que ce qui est prévu arrivera. Je pense que ce qui nous attend est pire encore, et que la race humaine sera éliminée… L’œuvre que j’ai présentée au Carnegie International [Magma Spirit], par exempte, une de mes plus récentes, représente cette vision catastrophe du futur. »x

Dans ses derniers travaux, Aoshima voit au-delà des désastres, au-delà de la fin du monde. Réanimant le concept prémoderne de l’histoire comme phénomène cyclique (plutôt que linéaire et progressif), son imagerie passe par les phases de l’urbanisme ou de la civilisation décadente et l’apocalypse pour arriver à la renaissance d’une planète pure et innocente. Dans Graveheads, 2005, de sombres nuages convergent sur une dense conglomération de pierres tombales qui ressemblent à un paysage urbain, et font tomber une pluie de sang. Les nuages disparaissent ensuite, laissant place à un arc-en-ciel. D’un ton moins dur, la jolie animation City Glow, 2005, décrit une cité dont les gratte-ciel sont des silhouettes féminines tout en courbes, clignotant de mille feux, envahis par une jungle primitive luxuriante. Dans une interview, Aoshima a exprimé une vision romantique semblable :

"Imaginer [la ville] toute délabrée, envahie d’arbres et de mauvaises herbes, c’est aussi très amusant ! Par exemple, Shibuya à l’aube, sans personne, me fait penser à un monde où les humains auraient péri. Comme d’autres cités tombées en ruine dans le passé, la nôtre passera un jour. À cette pensée, je ressens mon appartenance à l’histoire cosmique. Peu importe l’égoïsme de notre vie actuelle et individuelle, nous ne sommes finalement qu’un élément de la nature, et quel que soit notre degré de résistance, nous sommes impuissants."

Considérer l’effondrement de la civilisation actuelle comme naturel, comme une phase d’un cycle inévitable, souligne la passivité de l’identité contemporaine que Murakami et d’autres ont remarquée et qui semble gommer l’aspect politique des conditions actuelles comme le réchauffement de la planète, laissant l’individu résigné à ce qui doit arriver. L’effet de distanciation, de détachement de certaines œuvres d‘Aoshima semble avaliser cette esthétisation du désastre, l’idée qu’il est là pour être contemplé voire apprécié. Selon ses propres termes : « J’aimerais au moins voir de mes propres yeux à quoi ressemblera cette société quand elle s’effondrera. »

Tous les tableaux paisibles ( A Contented Skull) ont leur part d’ombre correspondante. Dans Swirling Zombies, 2003, des goules tourbillonnent frénétiquement autour des maisons : une image dans laquelle la peur et l’angoisse remontent des profondeurs pour surgir à la surface dans des couleurs intenses et violentes. Quelle que soit sa résignation à la perspective de la disparition du monde humain, ou son empressement à la fuir dans l’imagination, l’ampleur et l’énergie de l’œuvre d’Aoshima, et même son attachement au vocabulaire visuel spécifique des formes du modernisme tardif - anime et manga - sont des preuves de l’intensité de son engagement dans la vie ici et maintenant.

Katy Siegel

i Tucker 66. Elle a déclaré à un autre journaliste que son artiste japonais contemporain préféré était l’écrivain Hitomi Kawakami, dont les écrits évoquent le mystère et le surnaturel dans la vie quotidienne, et qui vient de publier The Nakano Thrift Store (titre anglais, NdT Je n’ai pas trouvé le titre correspondant de la version française - si toutefois l’ouvrage est traduit ), série de récits dont l’héroïne est une jeune femme presque trentenaire qui travaille dans le bric à brac d’une brocante.
ii Entretien (non publié) avec Chiho Aoshima, conférence « What’s Good ? », Hong Kong Art Centre, janvier 2005.
iii Ibid.
iv Au Japon, comme en Occident, le Romantisme était une tendance stylistique générale de la fin du 19ème siècle. Elle est apparentée, tout en en restant distincte, à l’École romantique japonaise (Nihon Romanha) d’écrivains et d’intellectuels, qui fleurit de 1935 à 1945 et avait une position idéologique bien plus pointue.
v « Chiho Aoshima » Style 10 (supplément), Liberation #6971, 11 octobre 2003.
vi Aoshima dans « What’s Good ?»
vii Midori Matsui, Chiho Aoshima in Laura Hoptman, The 54th Carnegie International (Pittsburgh : Carnegie Museum of Art, 2004), 54.
viii Aoshima in « What’s Good ? »
ix Ibid.
x Ibid.

"L'art explose (en de nombreux sens)"

par Takashi Murakami

Texte extrait du catalogue de l'exposition "Chiho Aoshima" au Musée d'Art Contemporain de Lyon en 2006.

Je ne suis pas certain de pouvoir écrire sur ces trois artistes en toute objectivité et en gardant mon sens critique. Mettez vous à ma place. Si un producteur de musique devait dévoiler la clé du succès d'un nouveau chanteur qu'il a contribué à "lancer", il lui serait difficile de ne pas se tresser des couronnes.
Et le résultat serait tellement stupide que l'on n'en lirait pas une ligne.

J'ai produit ces trois artistes d'une manière tout à fait unique. Kaikai Kiki Co. Ltd, ma société de production artistique, a profondément modifié les relations habituelles entre artiste et galeriste. L'analyse de cette méthode inédite me permettra peut-être de dégager une nouvelle manière de surfer sur laf orte vague commerciale qui submerge actuellement le monde de l'art, et ce faisant, m'éviter également de me ridiculiser en chantant mes propres louanges.

Ces dernières années, le rôle de l'agent artistique (l'artist management) a considérablement évolué. Je m'explique. Face à la demande croissante d'un public friand d'art, artistes et galeristes doivent trouver des réponses au-delà de la simple transaction commerciale.
Prenons un exemple: le milieu musical fait une distinction bien nette entre les compagnies de disques et la gestion des artistes, au point que les spécialistes de la gestion ont maintenant une présence incontournable. Qu'en conclure, sinon que le développement, dans un secteur artistique (e l'occurrence la musique), d'une structure basée sur la rentabilité à court termes, et la complexité des tâches pour y parvenir ont rendu la spécialisation absolument nécessaire?
Autre exemple: les vedettes de cinéma. Un agent digne de confiance, soucieux de la carrière de l'acteur, s'occupe de ses choix, s'implique dans les scripts, négocie les cachets et s'assure de la conformité et de la qualité de 'environnement et de l'équipement sur le site de tournage. Ce faisant, il crée pour la vedette une forte image de marque qui rejaillit, par association, sur le succès du film.
Dans le même ordre d'idées, on a assisté ces dernières années au développement d'une nouvelle tendance dans le monde des beaux-arts: elle vise à donner à l'artiste le statut de célébrité et à susciter l'intérêt du public pour sa personne, ses faits et gestes et ses déclarations. Le grand public, qui ne peut s'offrir ni oeuvres originales ni tirages limités, ressent pourtant un besoin consumériste de contact avec l'essence du travail du peintre ou du dessinateur. Ainsi s'est développé l'intérêt pour les produits dérivés. Nous sommes vraiment entrés dans une période de changement radical.

A ses début, l'agence Kaikai Kiki s'occupait exclusivement d'artistes japonais et son but principal était d'aider les artistes nippons en leur fournissant des services de traduction. Mais nos stratégies de gestion se sont élargies aux domaines juridique et financier (en plus des tâches mentionnées plus haut), ainsi qu'à des activités plus directement liées au soutien artistique: conceptualisation et création d'oeuvres d'art, préparation de premières expositions de jeunes artistes, relations avec la presse, etc. Les artistes peuvent ainsi se concentrer sur la création et la conceptualisation de leurs travaux et s'exprimer plus librement. Toutefois, cette structure relationnelle entre artiste, agent et galeriste est assez récente et encore partiellement expérimentale.
Je souhaiterais souligner ici une qualité propre aux artistes japonais. Qu'arriverait-il si nous appliquions notre système à des artistes occidentaux? Je peux vous assurer que l'entreprise serait vouée à un échec immédiat. Pourquoi? Parce que depuis le XIXème siècle, l'artiste occidental se définit par son indépendance vis-à-vis des clients comme des ateliers. Je suis certain que le sens aigu de l'identité et de la fierté des artistes occidentaux mettraient des bâtons dans les rouages de notre système. Mais soyons réalistes! Le rapprochement entre l'art et le commerce est si fulgurant qu'il ne laisse plus beaucoup de place pour l'indépendance - à ranger bientôt, peut-être, au rayon des attitudes (néo)romantiques.

Pour protéger la liberté de création des artistes dans un milieu où tout va très vite et les aider à gérer leurs finances et régler divers problèmes juridiques, voire servir de médiateurs (y compris en cas de harcèlement par les admirateurs), je pense qu'il ne suffit pas se reposer exclusivement sur le modèle habituel de la galerie "passerelle" entre le client et l'artiste, et que les expositions dans les musées ne peuvent plus être la seule et unique vitrine publicitaire et marchande d'un artiste.
C'est dans ce contexte de mutation profonde que la galerie Emmanuel Perrotin, en France, et Kaikai Kiki, au Japon, ont décidé de travailler main dans la main. Nirre démarche est encore frappée du sceau de l'originalité, mais je pense qu'au fil du temps nous ferons de plus en plus d'émules.

Voilà... Laissez moi à présent vous présenter trois artistes issus de notre nouveau système. J'en profiterai pour faire un petit rappel historique et évoquer les problèmes sociaux du Japon contemporain.

Chiho Aoshima

Aoshima donne une nouvelle dimension à ce que le public considère aujourd'hui comme "le luxe". Dans ce cas précis, luxe signifie "poursuite de la qualité". Télévision numérique haute définition; ordinateur portable performant; succulent cheesecake disponible dans un supermarché de proximité; découverte d'un scénario alternatif caché dans un jeu vidéo grâce à un bug délibérément programmé; dispositions légales permettant à tous et à chacun de survivre en tant que "membre à part entière de la société" même après plusieurs mariages et divorces: tous ces "luxes", inimaginables il y a quarante ans, sont monnaie courante aujourd'hui.

La "qualité" prioritaire pour Aoshima est de pouvoir produire et peaufiner en peu de temps l'image qu'elle a conçue.

Elle confirme d'abord les faits choisis, puis elle recueille des informations sur Google, exécute quelques modifications sur les images, combine les données sur son écran haute résolution, met continuellement à jour les versions d'Adobe Illustrator, envois les données d'images à une imprimante géante, crée des tirages, et passe enfin à une impression chromogénique en résolution maximale. Tout le processus semble l'oeuvre d'un "cyborg" dont le cerveau serait relié directement aux périphériques. L'existence même des oeuvres d'Aoshima est subordonnée à celle des outils mentionnés ci-dessus. Ceux-ci contiennent des versions abrégées et facules à utiliser de toutes les techniques qu'il nous fallait acquérir au fil d'années d'études et d'expériences. Ils font bien plus que simplement compense son manque de formation artistique.
On peut donc présumer que tant qu'il y aura un programme informatique compatible avec un ordinateur, tout le monde ou presque pourra donner dorme à ses images intérieures. Et qu'il est donc possible de produire un nombre incalculable d'artistes parmi lesquels le public pourrait choisir ad libitum.

Et bien sûr, le point culminant de ce luxe est le style actuel d'Aoshima, dont l'oeuvre couvre tout l'intérieur d'une grande pièce, de sorte qu'en y pénétrant, le spectateur entre de plain)pied dans l'esprit de l'artiste et le "perçoit" presque comme elle. L'ordinateur, les logiciels, la recherche sur internet et l'imprimante géante recréent exactement les images qui peuplent le cerveau d'Aoshima. Son oeuvre attire une foule de fervents supporters. Peut-être par affinité, une sens du "pourquoi pas moi?".

C'est le fossé entre le type de production artistique innovante et les images concrètes d'Aoshima - représentations détaillées de reptiles, thèmes environnementaux telles les catastrophes naturelles - ainsi qu'une certaine similitude avec le genre pictural japonais né au cours de l'ère Meiji et dont la méthode de composition joue le contraste d'épaisseur des contours et des couleurs, qui créent un lien avec le charme mystique de ses oeuvres.

Takashi Murakami
Traduit de l'anglais par Geneviève Bégou



16 mars 2024 - 6 avril 2024




Chiho AOSHIMA, Jean-Marie APPRIOU, Rao FU, Laurent GRASSO, Gregor HILDEBRANDT, Klara KRISTALOVA, Farhad MOSHIRI, Christiane POOLEY, Mark RYDEN, Yang ZHAO, CHANG Yachin, CHEN Ke, MENG Yangyang, Yves LALOY

15 septembre 2023 - 26 octobre 2023


3/F, 27 Hu Qiu Road, Huangpu District

Nocturnal Ballads


Chiho AOSHIMA, Aso KOJIMA, Takuro KUWATA, Takashi MURAKAMI, Shin MURATA, Otani Workshop, Yuji UEDA

4 septembre 2021 - 9 octobre 2021



GEIBI KAKUSHIN ("L'innovation esthétique dans l'art de la céramique japonaise")

curateur : Takashi Murakami


5 février 2021 - 20 mars 2021


3/F, 27 Hu Qiu Road, Huangpu District


curateur : Takashi Murakami


Chiho AOSHIMA, Yukimasa IDA, Kasing LUNG, Emi KURAYA, MADSAKI, Takashi MURAKAMI, Shin MURATA, OB, Otani Workshop, Aya TAKANO, Yuji UEDA, TENGAONE

17 octobre 2020 - 23 décembre 2020


2bis avenue Matignon 75008 Paris


curateur : Takashi Murakami


26 septembre 2020 - 14 novembre 2020

hong kong

807, K11 ATELIER Victoria Dockside, 18 Salisbury Road, Tsim Sha Tsui

Our Tears Shall Fly Off into Outer Space

Takashi MURAKAMI, Mr., MADSAKI, TENGAONE, Kasing LUNG, Aya TAKANO, Chiho AOSHIMA, Emi KURAYA, OB, Otani Workshop, Yuji UEDA, Shin MURATA

23 juillet 2020 - 4 septembre 2020


1F 5 Palpan-gil, Jongno-gu




27 mai 2014 - 25 juin 2014




curateur : Pharrell Williams



14 mars 2009 - 16 mai 2009





8 septembre 2007 - 11 octobre 2007



The giant and the courtesans



11 septembre 2004 - 6 novembre 2004


20 rue Louise Weiss 75003 Paris




1 mars 2003 - 19 avril 2003


30 rue Louise Weiss 75003 Paris



1 juin 2002 - 27 juillet 2002


30 rue Louise Weiss 75003 Paris



Chiho AOSHIMA, Aso KOJIMA, Takuro KUWATA, Takashi MURAKAMI, Shin MURATA, Otani Workshop, Yuji UEDA