« Je ressens toujours le désir de chercher ce qu’il y a d’extraordinaire dans les choses ordinaires ; suggérer sans imposer, laisser toujours une petite touche de mystère dans mes peintures. » — Balthus

Danielle Orchard pourrait faire siennes ces paroles de Balthus, dont les réminiscences multiples habitent ses dernières oeuvres, où le quotidien croise l’étrangeté, le domestique côtoie l’atemporel. Si son travail convoque régulièrement l’histoire de la peinture, de Cézanne à Picasso, de Bonnard à Matisse, que ce soit à travers une référence stylistique au point de vue multiple du cubisme analytique, ou la récurrence de sujets d’un musée imaginaire – de la femme à sa toilette aux odalisques qu’elle revisite avec le regard d’une femme artiste du XXIe siècle – , les toiles réunies dans l’exposition Page Turner font écho, de manière consciente et directe, au maître des jeunes filles, des chats et d’un temps suspendu, dont l’oeuvre, nimbée d’un halo de scandale, a nourri sa formation aux beaux-arts, forgeant d’abord sa vision de la peinture en une « conversation formelle », puis alimentant son goût pour une tension narrative énigmatique et subversive.

Un nu, omniprésent et décalé, atemporel et abstrait, alors même qu’il apparaît dans la familiarité de scènes du quotidien. Ces nudités, insolites et singulières, explorent la représentation du corps féminin à travers des activités qui, pour être domestiques, n’en acquièrent pas moins le statut de « cérémonies » intimes ou de rituels ordinaires, comme en témoigne Women’s Work : l’artiste, qui aime jouer sur les déplacements, tordre le réel et détourner le contexte, y représente une femme nue, à la présence hiératique et monumentale, en train de suspendre son linge dans un jardin. Les tonalités bleutées, la géométrie de la construction, la transparence fantomatique des vêtements, la forme ogivale de l’ouverture dans laquelle s’inscrit, à l’arrière-plan, une autre silhouette féminine, confèrent à l’oeuvre un caractère allégorique et sacré.

Cette mise en avant dynamique du « work in progress » apparaît dans les nombreuses oeuvres qui ont pour sujet le lieu où la peinture advient, de l’académie à l’atelier. Jouant sur un subtil équilibre de sources de lumière et de contrastes de tonalités colorées, Balance met en scène une classe de nu d’après modèle vivant, un moment classique de la formation de l’artiste, que Danielle Orchard a bien connu, à la fois comme étudiante des beaux-arts et modèle dans le même cours, alternant les rôles, entre regardeur et regardée, dessinant et dessinée. Elle raconte comment, alors, elle « se projetait elle-même dans la position de ceux qui la dessinaient ». Cette expérience des corps à travers le dessin est restée essentielle dans sa pratique si l’on en croit les nombreux fusains qu’elle réalise, qui, bien loin d’être des esquisses pour de futures peintures, constitue une création per se. Scène d’atelier encore avec Three Ghosts qui évoque la solitude du travail de l’artiste, entourée de la présenceabsence de trois de ses amis artistes, évoqués par les trois chevalets, flottant comme autant de voix du passé qui habitent l’atelier, telles une présence fantomatique dans un temps suspendu. Alors que sur son propre chevalet, la lumière dessine les contours d’un autoportrait en une ombre projetée qui rappelle le mythe de l’origine de la peinture racontée par Pline l’Ancien, soulignant combien le sujet de l’oeuvre de Danielle Orchard n’est autre, finalement, que la peinture elle-même.